Qué Se Puede Hacer... Salvo Ver Películas

Thor

2011-07-06T20:24:00.000-07:00

Título: Thor
Dirección: Kenneth Branagh

Guión: J. Michael Straczynski, Mark Protosevich, Stan Lee (comic), Larry Lieber (comic) y Jack Kirby (comic)

Género: Acción, Aventura, Fantasía

Duración: 115 minutos

Orígen: Estos Unidos

Año: 2011
Reparto: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, etc.

Sólo un eslabón más, pero aceptable

Se viene una época en la que Marvel va a copar las salas, y sus fans también. Por eso, te recomiendo que vayas viendo propuestas anteriores de la ahora factoría de Disney, con títulos tales como The Incredible Hulk (2008), Iron-Man (2008) y Iron-Man 2 (2010), toda la saga de X-Men, etc. Esto lo digo porque sino difícilmente entenderás lo que sin dudas será uno de los eventos cinematográficos más interconectados de la historia del cine (bah, lo que ahora se dice "cine"...), con miles de tramas y subtramas que desembocarán en quién sabe qué y cuándo.

Pero centrémonos en ésta, Thor, dirigida por Kenneth Branagh. Una de esas películas que si alquilas un sábado a la tarde te deja conforme y con la sensación de que usaste bien el dinero y no perdiste el tiempo. Thor no es la gran cosa, pero gusta, por sus efectos especiales, su ritmo, las actuaciones de sus protagonistas (Natalie Portman increíblemente sale airosa del proyecto) y el guión tan simple pero efectivo.

Es un combo hollywoodense bien logrado, como esas conchas de mar que sobreviven a la fuerza del oleaje y hacen que, al encontrarlas, te las lleves a tu casa de entre miles de opciones (rotas e iguales todas). Thor es eso, y nada más. No busquemos mucho en un proyecto que Marvel irá construyendo lentamente, hasta terminar en The Avengers (2012), donde estarán todos los personajes de la factoría reunidos para una película que intriga no sólo por lo larga que puede llegar a ser sino por el 'todos-contra-todos' que se puede llegar a armar en su guión.

Thor, por su parte, no se queda atrás en cuanto a la inventiva, y se adapta fresco y renovado a las líneas que un público tan massmediado como el de hoy exige. Sus personajes son todos creíbles, rescatando a Chris Hemsworth y la ya mencionada Portman. Lo de Anthony Hopkins ya no tiene retorno, y es insalvable, asi que simplemente dejémoslo con el mérito de The Rite (si le podemos llamar mérito a ese otro bochorno que capitaneó con su imagen tan venida a menos). Y no se pierdan el detalle de la breve pero excelente incursión de Jeremy Renner, en una de las secuencias mejores logradas del film.

No hay mucho más por decir. Como todas las películas que viene haciendo Marvel, aunque en su mayoría dispares y desilusionantes, te deja con ganas de más. A tal punto, que el público ya sabe que debe esperar hasta después de los créditos para ver la escena que da pie a un futuro acontecimiento. Thor no te obliga a estar despierto (muchos no aguantarán lo cursi que puede llegar a ser entre tanto acierto visual), pero demuestra que su tarea es intentarlo, a fuerza de mucho ruido audiovisual y mucho show pochoclero digno de un buen rato.

Insidious

2011-07-06T12:04:00.000-07:00

Título: Insidious

Dirección: James Wan

Guión: Leigh Whannell

Género: Terror, Thriller

Duración: 103 minutos

Orígen: Estos Unidos

Año: 2011
Reparto: Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Leigh Whannell, Lin Shaye, Barbara Hershey, etc.

Clasicismo para el descarte

(Atención: con spoilers)
Ayer vi Insidious, de James Wan, el encargado de la magistral Saw (2004). La odié tanto que hasta es querible. Una basura de película pero que casualmente después del visionado se hace recordar. ¿Por qué? Por la banda sonora, por el estilo tan berreta que tiene para asustar y porque el director se pasa TODA la película esmerándose por sobresalir, a tal punto que algunos de sus planos lo logran.

La propuesta carece de originalidad, pero tiene una constante intención de ser diferente que, cuando menos, es valiosa. A veces es inevitable reir con algunos pasajes del guión, como la catarata de clichés que posee, o el momento en que se da un hito en las frases más estúpidas en la historia del cine de terror: "¿Crees que la casa esté embrujada?" Marche un manual para hacer libretos para Leigh Whannell. Por cierto, este último tiene una pequeña participación, en la cual está irreconocible.

Y si a todo eso le agregamos el nombre de Oren Peli en la producción (Peli dirigió Paranormal Activity, 2007), tenemos cartón lleno. Son los mismos de siempre intentando que el público devore los mismos conceptos, la misma estética y los mismos plots. Siempre va a haber niños-espíritu correteando por la casa, sesiones de espiritismo (Wan no evita su estética surrealista cuando intenta shockear visualmente, véase la máscara de la anciana), y conflicto matrimonial a causa de las confusiones que generan los acontecimientos extraños. Pero, encima, esta vez hay desenlace sorpresivo (si a eso se le puede llamar sorpresivo) y hay Barbara Hershey desaprovechada a más no poder.
El collage visual pasa por atmósfera a lo Stephen King, súmums sonoros a lo Von Trier y malas actuaciones a lo Ivan Reitman.

Insidious (2011) es de esas cintas que los aficionados al género amarán, pero que los críticos y los consumidores compulsivos descartarán en pocos instantes. Se queda en un punto intermedio por el intento de hacer algo distinto, aunque -están advertidos- no le sale. Sólo rescato la banda sonora y algunos movimientos de cámara innovadores que Wan usa para no menospreciar la utilización de los espacios hogareños. Espacios que, no, Patrick Wilson, no están embrujados.

Un cuento chino

2011-05-21T12:31:00.000-07:00

Título: Un cuento chino

Dirección: Sebastián Borensztein

Guión: Sebastián Borensztein

Género: Comedia

Duración: 93 minutos

Orígen: Argentina, España

Año: 2011
Reparto: Ricardo Darín, Ignacio Huang, Muriel Santa Ana, Javier Pinto

Como caído del cielo

Delirante, mágica, argentina y simple. Así se podría definir a la nueva comedia protagonizada por Ricardo Darín, que nuevamente se muestra como el maestro del arte de la puteada, pero que también es capaz de conmover con gags hechos a la medida. Su química con Ignacio Huang son el punto fuerte de un film que puede pecar de pretensioso en su mensaje final, pero que goza de una diversión que no siempre se ve en un cine argentino que en lo que a comedia respecta cada día está peor.

Todo empieza con una pintoresca, bizarra y extraña situación mediante la cual se desencadena toda la historia, aún más pintoresca. Luego viene el encuentro del dúo que lleva adelante el film, y las risas.

Un cuento chino (2011) funciona bien porque su guión es justo y conciso, lo cual es mérito de Sebastián Borensztein. Este opta por el recurso de la repetición -harto usado pero, como buen clásico, siempre efectivo-, así como el tópico del choque de culturas y la mirada etnocéntrica del personaje de Darín, Roberto, que representa a un argentino cuasi ermitaño con toda una historia como trasfondo. Fórmula acertada para la finalidad del largometraje, que es hacer reir, nada más.

Película atractiva, con sus momentos cumbre en los delirios de Darín con su pasatiempos de recortes de noticias inusuales de diarios mundiales, y con una historia compacta y bien contada. Nada del otro mundo, pero vale la pena su visionado.

Scream 4

2011-05-02T17:03:00.000-07:00

Título: Scream 4

Dirección: Wes Craven

Guión: Kevin Williamson

Género: Terror, Thriller, Misterio

Duración: 111 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2011
Reparto: Neve Cambell, David Arquette, Dane Farwell, Courteney Cox, Anthony Anderson y Emma Roberts

No me engañes, terror era el de antes

El peor error que se puede cometer para ir al cine es hacer cara o cruz cuando se está indeciso. Más si del otro lado hay una propuesta que no dudarías en elegir de no ser porque se va acompañado a la sala (no diré cuál era la otra opción). Lo cierto es que al momento de dejarlo en manos del azar, lamentablemente ganó Scream 4, película a la que servidor no le daba ni dos centavos, y finalmente terminó corroborando que por lo menos en los prejuicios todavía es efectivo.

Resulta ser que esta cuarta parte sobre Ghostface es un refrito disfrazado de crítica cool. La fórmula de la primera parte, sí buena, resulta reciclada y por ende desaprovechada. No sólo repiten el reparto, sino que con el mismo intentan trazar un puente que lo conecte con la nueva generación de actores. Digo, desde mi humilde lugar: ya que estamos, ¿no era más rentable hacer una remake?

"Nueva década, nuevas reglas", reza la promoción del filme... ¿y las nuevas reglas? Lo que pasa es que la película está tan preocupada por no ser como las demás cintas de terror que recurren a la saga como elemento narrativo, y respetar ese culto que logró levantar en torno a sí misma (las constantes aluciones a esa "Puñalada" y todas sus secuelas son un tono crítico evidente, aunque ambiguo), que termina siendo repetitiva, y con esto aburrida.

Los mismos personajes aseveran que se está respetando la trama de la primera parte, y terminan anticipando el final con un guión que además de malo es estupidizante. Si a eso le sumamos el aluvión de clichés y lugares comunes a los que recurre, tenemos algo así: fórmula gastada + recurso de la repetición (cuasi radiofónico) + lugares comunes + incorporación de actores semi-cool = un bodrio más. Sí señores, en Hollywood lo volvieron a hacer, y evidentemente van por más.

Neve Cambell y David Arquette reaparecen para servir de factores de confusión, más otro par de actores que están ahí también para eso, para distraer. Lo curioso es que el público (sacando a esa casta especial que son los devotos de un film/saga específico, lo cual es totalmente respetable) se pueda llegar a sentir bien con esta película.
Porque Scream 4 intenta engañar al espectador constantemente. No sólo se preocupa porque quede claro el mensaje de "ojo eh, que si ves clichés o algo reciclado es porque estamos criticando a los guionistas de Saw o Jason, somos re frescos y hacemos guiones cool, y encima nos damos el gusto de homenajearnos", sino que pretende que el que está viendo la cinta se sienta un estúpido en el final. Una cosa es querer distraer, pero siempre intentarlo es demasiado, y más si el desenlace termina siendo cualquier cosa, lo cual termina denostando que la única finalidad de la película era reaparecer para 1) actualizarse cual usuario que apreta F5 en su computadora, y 2) hacer creer a dicho usuario que es un imbécil por a) comprar la entrada (o en un futuro alquilarla o perder tiempo descargándola de internet) y b) porque lo engañó el que resulta ser Ghostface en esta entrega.

En fin, Scream 4 es tan mala que hace que, de paso, odies las tres primeras partes también. Todo confluye en un sinfin de recursos excedidos en sí mismos, con algún que otro sobresalto (hay que reconocer que la masacre en la casa está bien lograda, aún cuando al inicio de la cinta se critica que en Saw IV sólo se muestra sangre porque sí) y el reinvento/insistencia respecto al personaje épico que se logró con la saga. Lo peor encima es que Scream 4 se la da de valiente por darle palos a las cintas de terror de ahora (lo cual no es difícil; lo puede hacer cualquiera), lo que demuestra que Wes Craven realmente está convencido que cerró las puertas de la era gloriosa del buen cine de terror. No te engañes Craven, o mejor dicho, no nos quieras engañar a nosotros.

Los ojos de Julia

2011-04-19T21:57:00.000-07:00

Título: Los ojos de Julia

Dirección: Guillem Morales

Guión: Guillem Morales, Oriol Paulo

Género: Terror, Thriller

Duración: 112 minutos

Orígen: España

Año: 2011
Reparto: Belén Rueda, Lluis Homar, Pablo Derqui, Francesc Orella, etc.

Cuando la pretensión es la que ciega

Tener un departamento fotográfico espectacular, contar con el apoyo de Guillermo del Toro, tener a la deslumbrante Belén Rueda como protagonista, y tener una mega distribución. ¿Qué más puede pedir un cineasta? Lo cierto es que este fulano, Guillem Morales, no se conforma. A él no le basta todo esto, y eso lo deja ver en Los ojos de Julia (2011), un thriller pseudo terrorífico que posee tantas pretensiones que se ciega (cuac) a sí misma.

Todo empieza muy bien. Demasiado bien. La película va como una montaña rusa a la cúspide del entretenimiento bien logrado, cuando de golpe y porrazo derrapa maliciosamente hasta tener una leve subida en la escena mejor lograda de todo el film, en el departamento del asesino.

La ya mencionada fotografía es genial, pero no logra conectarse con la historia y su clima tan impaciente. Morales quiere que nosotros estemos desesperados por la paulatina pérdida de la visión de Julia (doble rol de Rueda, en una excelente interpretación para cargarse la peli al hombro), pero su personaje no muestra desesperación. Morales quiere que nos asustemos con sus efectismos, y no se aviva en ponerle más humanismo al asunto y menos plots zonzos como amoríos agarrados de los pelos y extrañas explicaciones filosófico-existenciales sobre la psiquis del indocumentado asesino.
En resumidas cuentas, Morales quiere que nos fumemos Los ojos de Julia como si fuera una buena película, y lo cierto es que no lo es. Es sólo un buen intento del cine español por hacer algo diferente (como siempre, lo cual es loable), pero que -también como siempre- termina cayendo en parámetros del mainstream como el horrible final de la historia.

Los personajes no son creíbles; la música es buena pero intrusiva; el guión es malo; y la dirección llena de subjetivas para narrar está bastante bien, aunque por momentos es extraña: ésos son algunos de los matices que definen a esta propuesta fallida y aburrida. Cuidense de no dormirse en una de escenas malogradas en que todo queda a oscuras (porque, por si no se dieron cuenta, a pesar de las inagotables subjetivas, la actriz lleva una venda, y no ve) y el sonido hace su trabajo. Y cuidense de no ser pillados desprevenidos al darse cuenta que hay muchos personajes a los que casi nunca se les ve la cara, porque nosotros también tenemos que ser ciegos y no tenemos que ver muchas cosas. Entonces, ¿cómo acompañamos al personaje principal en su proceso? Bueno, este es un ejemplo de cómo no hay que usar el recurso de igualdad de condiciones para el personaje y el espectador. He ahí la falla básica, por eso es mala.

Unknown

2011-04-06T11:18:00.000-07:00

Título: Unknown

Dirección: Jaume Collet-Serra

Guión: Oliver Butcher, Stephen Cornwell y Didier Van Cauwelaert (novela)

Género: Drama, Misterio, Thriller

Duración: 113 minutos

Orígen: Francia, Alemania, Canadá, Japón, Estados Unidos, Reino Unido

Año: 2011
Reparto: Liam Neeson, Diane Kruger, January Jones, Aidan Quinn, Bruno Ganz, Frank Langella, etc.

Lo inverosímil como juego de creación y deconstrucción

Amigos y amigas, estamos ante el ascenso de un realizador que, adivinen qué, se anima a jugar con el cine. Sí, porque la realidad no tiene por qué ir de la mano del celuloide, y si uno quiere jugar con los guiones, lo hace: el arte es libre. Jaume Collet-Serra, quien con Orphan (2009) ya nos demostró que sabe crear atmósferas cinematográficas, acude a influencias muy fuertes e importantes (claramente visibles) para contar una historia agarrada de los pelos pero que está buenísima.

Unknown (2011) es la historia súper hollywoodense e industrial de un hombre que pierde su identidad tras quedar en coma por un accidente. Collet-Serra logra que Berlín dé claustrofobia, y que mediante planos bastante interesantes vayamos descubriendo junto al personaje la psiquis del mismo. Influencias, como decíamos, hitchcokianas y polanskianas que tienen ápices de originalidad y algo de actualidad, sobre todo en el constante y recurrente uso de flashbacks.
La fotografía cumple un rol clave en el desarrollo estético de una trama que te deja embobado no sólo por el reparto femenino, sino porque no da respiro a pesar de su ritmo.

¿Por qué es válido un guión tan atado con alambre? Porque en este caso está usado para la finalidad de la trama: si los guionistas quieren que Kruger y Neeson choquen cuarenta veces con el auto, y que no les pase nada, está bien; si los guionistas quieren que Neeson y Quinn se sepan exactamente las líneas de un diálogo dicho al unísono, lo hacen -y queda bien-, porque Unknown tiene un valor agregado que hace mucho no veíamos en el cine de Hollywood (para qué negarlo, lamentablemente, el director español está preso de la industria mainstream): es cine por cine mismo. Su finalidad está sujeta y atada a cualquier escueto intento de modificación de la realidad. Es allí, en ese mínimo pasaje, donde el verosímil queda relegado a un segundo plano y queda a merced de las implicancias tanto del guión como de las intenciones del realizador.

Unknown puede pasar como divertimento, capricho o experimento fructífero. Si hay una cultura popular que se fuma las películas idiotas de Quentin Tarantino, entonces podemos soportar un film serio, sobrio y despelotado a la vez, como lo es el nuevo de Jaume Collet-Serra, un director que va camino a convertirse en un preferido de este blog. Si sigue por este buen sendero, lo seguiremos apoyando.

Rango

2011-04-06T09:37:00.000-07:00

Título: Rango

Dirección: Gore Verbinski

Guión: John Logan, Gore Verbinski y James Ward Byrkit

Género: Animación, Aventura, Comedia

Duración: 107 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2011
Reparto (voces): Johnny Depp, Isla Fisher, Timothy Olyphant, Abigail Breslin, Ned Beatty, Alfred Molina.

Flik + Mr. Fox + homenaje a Blondie = Rango

Dicen que las viejas fórmulas nunca fallan. Parece que sí. Rango (2011) es un mejunje de ideas sacadas de películas animadas exitosas, o cuando menos originales. Estamos hablando de pequeños matices o detalles que hicieron a un todo en los títulos que pronto citaremos, que los destacaron como films de culto.

Se trata de A Bug's Life (1999) y The Fantastic Mr. Fox (2009): por un lado tenemos la esencia argumentativa de la segunda cinta de Pixar, y por otro las caracterizaciones del último film de Wes Anderson, ligado a lo grotesco y lo feo como intentos de emparejamiento con la noción de común.

Rango falla por predecible -aún cuando esas lechuzas, que tranquilamente pueden pasar por los ratoncitos de Babe (1995), insistan con el hecho de que el protagonista se termina muriendo-, por una trama acartonadísima, que se mezcla como un verdadero forastero con un claro y decente intento de originalidad estética, apoyada en la colaboración del mítico Roger Deakins en la supervisión cinematográfica de las animaciones y su puesta en escena tipo western.
Lo único rescatable es el intento de reivindación de aquel género, con su súmum en el personaje del Espíritu del Oeste, que -damas y caballeros- es nada menos que Clint Eastwood haciendo de Blondie en Il buono, il brutto, il cattivo (1966).

La cinta experimenta, prueba por aquí, por allá, y no encuentra su lugar en el mundo. El protagonista, ese camaleón tan perturbador como para la imagen de un personaje principal en un film que ¡pretende ser para niños!, tranquilamente puede ser un fiel reflejo de la película en general. Rango -título y personaje- no sólo no se decide entre el público infantil y el adulto, sino que apuesta al shock visual como elemento de originalidad, como la innecesaria aparición de Roadkill, el puercoespín que aparece casi partido al medio en plena autopista.

Ni por sus idas y vueltas, ni por su intento de comedia negra, ni por la calidad de la animación: nada justifica soportar las impresiciones e indecisiones de una película semejante. Por su obviedad narrativa, por su cliché llamado Johnny Depp (actor que, lamentablemente, si no elige mejor sus papeles se viene en picada), y por su casi-plagio a caracterizaciones como el topo ladrón (un auténtico 'choreo' al film en stop motion de Anderson) o el mismo protagonista, que tranquilamente podría ser Flik de A Bug's Life, no vale la pena gastar tiempo y dinero en Rango.

The Rite

2011-04-06T09:23:00.000-07:00

Título: The Rite

Dirección: Mikael Håfström

Guión: Michael Petroni y Matt Baglio (libro)

Género: Drama, Terror, Thriller

Duración: 114 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2011
Reparto: Anthony Hopkins, Colin O'Donoghue, Alice Braga, etc

Patéticos exorcistas

Atención: con Spoilers
Venimos de vapulear a The Tourist (2010) por la trama precisamente "turista", y este año uno de los primeros encuentros (tropiezos) con el cine de la temporada es con este pseudo-thriller sobre exorcismos. La verdad no entiendo por qué Hollyood se empecina tanto en hacernos creer en este rito, siendo que a estas alturas ya hay títulos mejores como The last exorcism (2010) que tocan la temática de una manera más social y fenoménica que todas estas payasadas que encima le hacen hacer al pobre Hopkins.

El veterano actor no puede llevar adelante él solo la historia, y eso se nota a leguas. La película es malísima por donde se la mire. Tiene efectismos torpes, un guión que parece que fue hecho por un mono, y esa idea imperante de que, adonde sea que vayas (no importa si es a Italia, Singapur o el Congo), siempre habrá un hombre que hable un inglés fluidísimo.

La historia puede aparentar interesante, pero no se engañen: no lo es. Es un bodriazo eterno, que dura más de lo que debiera, y que es tan predecible que en el momento en que aparece Hopkins ya sabés el final.

Párrafo aparte se merece el eteeerno plano en picada del protagonista gritando "¡¡¡¡¡BAAAAAAAAAAAAAAL!!!!", que no tiene sentido y roza lo patético. La verdad, una película olvidable.

Se viene una reestructuración en el blog

2011-04-04T17:45:00.000-07:00

El comienzo de este año lectivo 2011 obliga a que este servidor resignifique el sentido del blog. No sólo en contenido, sino en propuesta.

Para no tener que dejar de escribir, voy a remitirme a reseñar brevemente las opiniones de algunas películas, visto y considerando que otros blogs amigos siguen este formato y está bien aceptado.

Prefiero mantener el blog vivo, aportando algo de contenido, a tener que cerrarlo por culpa de la falta de tiempo.

¡Hay muchísimas películas para reseñar! Si me bancan en este proceso (que puede llegar a incluir hasta cambio de nombre), puede salir algo interesante.

Les mando un abrazo. Y gracias por su tiempo...

Cuentito: Despertar

2011-03-28T20:16:00.001-07:00

Él abrió los ojos lentamente, descubriendo lo imposible que resultaba no sentir frío. Estaba en posición fetal, desnudo y arrugado, pero arrugado por el agua. Se sentía recién nacido, y abrazaba una guitarra española que lucía andrajosa.

Tardó un rato en incorporarse, cuando cayó en la cuenta de que estaba en un lugar tan lúgubre como su pasado. Un dolor en el pecho era la señal de que algo andaba mal, y era inevitable no molestarse con esa gotera que resonaba en el lugar, con un eterno y constante "ploc, ploc" haciendo un eco aterrador y desesperanzador. Él miraba atónito: no podía creer que volvía a ese lugar al que alguna vez perteneció, porque soñaba con nunca regresar, porque creía en lo que la vida le había obsequiado.

Sus pensamientos se tornaron tensos, porque de a poco iba cayendo en la cuenta de que todo se había vuelto insosteniblemente real. La vida no tenía más sentido, pensaba. Él estaba ahí, despojado de ropa, así como de sentimientos alegres y ganas de levantarse. Pero el frío y la humedad del lugar lo apremiaban, porque, si bien no podía soportar un minuto más de respiración, ni soportar un latido gratuito de su corazón roto, sabía que dependía de él lo que venía.

Su barba le picaba; nunca lo había hecho. El cabello le pesaba; nunca había notado cómo lo tenía. Las manos se aferraban a la guitarra que envolvía, porque era el símbolo de que el pasado podía regresar. Su piel rozaba la madera que alguna vez sirvió de caja de resonancia para bellas y adorables melodías. Y su voz se oía fuerte: ella cantaba al ritmo de las cuerdas estrepitosas, y el corazón de su ejecutor se retorcía del dolor ante la idea de caer bruscamente de nuevo a ese presente hostil en el que se encontraba sumido.

Su cabeza no sabía qué hacer; el cuello sobraba. Su cuerpo no sentía nada, sólo un vacío interior que le quitó unos segundos de pensamiento frívolo: ¿Es el vacío, algo percibible? Si lo siento, ¿por qué se lo llama vacío? ¿Qué me llena en esta angustia? ¿Sus recuerdos?

La mirada perdida caía en la cuenta de una tenue luz que lo alumbraba desde arriba, muy arriba. El lugar lucía raro, como si fuera una alcantarilla vieja y abandonada, escondida en el subterráneo espacio de quién sabe que rincón del mundo.
Quiso levantarse... después se arrepintió. Quiso mirar hacia la luz... le dio pereza. Quiso sentir que podía sentir... no pasó nada. Él sabía que todo era en vano, porque al cruzar esa escalera que ahora lentamente se volvía corpórea en el inhóspito sitio en el que se encontraba cobijado, muerto de frío y de despojo, no habría nadie esperándolo. O al menos no quien él esperaba.

De pronto, las gotas se hicieron entender: no eran gotas, sino lágrimas. La oscuridad se hacía más clara: no era una alcantarilla, era su mente, o lo que había quedado de ella después de días de elucubraciones respecto a cómo se podía salvar lo insalvable, una relación que nunca perduraría, porque uno de los dos no tenía interés en hacerlo. Y él sabía que sí lo había intentado.

La escalera se veía pequeña y corta... pero no era una escalera, sino su expectativa de seguir. Y la guitarra... la guitarra. No era una guitarra: era sólo una imagen más, de tantas en el penoso recuerdo de su melodiosa vida soñada, y ahora olvidada y destruida.

Lo que lo rodeaba era su hogar. Su nuevo espacio. Su nueva concepción de la existencia. Todo se había consumido en un eterno sinsabor ante la mera presencia de su bello rostro en la memoria inmediata. Qué bello rostro... y nunca volvería a ver uno igual. Sólo se quedaría allí, abrazando el recuerdo, y quedándose a la espera de la hora de la lactancia.
Se había convertido en lo que ya no quería ser: debía volver al orígen, al seno, al resguardo. Ya nada de eso importaba: ella lo había dejado, y todo se derrumbaba lentamente a su alrededor, entre quejidos y esos recuerdos, recuerdos que nunca más se irían.

Las 20 películas más esperadas del 2011

2011-03-26T16:05:00.000-07:00

Hay muchos directores que este año reaparecen y estrenan nuevas cintas. Auténticos peso-pesado, que ojalá nos regalen momentos cinematográficos memorables. Este parece ser un 2011 mucho más prometedor que el dispar 2010 que se fue... Estos son los 20 films que este blog más espera poder ver y analizar:

20) Crazy, Stupid, Love, de Glenn Ficarra y John Requa

Sinopsis: La historia gira en torno a un padre que debido a una crisis matrimonial tiene que pasar más tiempo con sus hijos, a los que apenas conoce. (FILMAFFINITY)

Los directores de la ácida I love you Phillip Morris (2010) no paran, y ya preparan su nuevo opus juntos: Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Kevin Bacon, Marisa Tomei y Emma Stone protagonizan esta comedia que pinta para más que interesante. ¿Qué puede salir de ese súper combo?

19) Twix Now and Sunrise, de Francis Ford Coppola

Sinopsis: Adaptación de un cuento escrito por el propio Coppola, en la que Kilmer interpreta a un escritor de novelas de terror.

El regreso al terror, el primer género en el que incursionó como cineasta, de Coppola no sólo puede ser alentador sino atractivo. Que la historia sea tan llamativamente oscura, y que haya un personaje llamado nada menos que Edgar Allan Poe, más la presencia en el reparto de una estrella en potencia como Elle Fanning, cuando menos atrae, y mucho. No hay forma de que no tiente esta cinta...

18) Captain America: The First Avenger, de Joe Johnston

Sinopsis: Después de ser considerado como no apto para el servicio militar, Steve Rogers se ofrece como voluntario para un proyecto de investigación ultra secreto que lo convierte en el Capitán América, un super héroe dedicado a defender los ideales de los Estados Unidos.

Johnson tropezó con la dispar The Wolfman (2010), pero por como viene la mano todo indica que ésta puede ser la mejor película sobre los súper héroes de Marvel. La vienen promocionando y vendiendo bien, a tal punto de que ya quiero que sea 21 de julio para el estreno.

17) Paul, de Gregg Mottola

Sinopsis: Paul nos contará las aventuras de dos frikis ingleses que viajan hasta la Comic Con, y después decidirán ir hasta el Área 51. En su camino encontrarán un pequeño alienígena llamado Paul que necesita ayuda para encontrar el camino de regreso a su hogar y escapar del gobierno. (FILMAFFINITY)

El mejor director de comedia de la actualidad regresa en compañía de nada menos que Simon Pegg, y con la participación especial de la promesa del género, Seth Rogen. Un alien simpático, una historia llamativa y divertimento ¿asegurado? No podemos adelantarnos sólo por tratarse de una propuesta del genio de Mottola, pero que puede funcionar, puede.

16) Unknown, de Jaume Collet-Serra

Sinopsis: Mientras se encuentra con su mujer de visita en Berlín, el doctor Martin Harris (Liam Neeson) sufre un accidente y entra en un prolongado estado de coma. Cuando se despierta, comprueba alarmado que alguien ha usurpado su personalidad. Entonces emprenderá una frenética investigación para averiguar la verdad. (FILMAFFINITY)

Sin ánimos de exagerar, Collet-Serra es uno de los directores actuales que más interés despierta en este blog. Con su House of Wax (2005), uno de los placeres culposos que tengo, y la más reciente Orphan (2009), demostró que sabe armar climas de tensión y crear atmósferas cinematográficas. Habrá que ver si en este thriller, con el gran Neeson (a ver si repunta un poco en su carrera este hombre) y la exquisita Diane Kruger, puede mantener la buena racha.

15) Midnight in Paris, de Woody Allen

Sinopsis: Comedia romántica que girará en torno a una familia que viaja a París por negocios; en medio, una joven pareja a punto de casarse se enfrenta a la idea de abandonar su plan y elegir una vida diferente que parece mejor. (FILMAFFINITY)

Allen no es el único director que últimamente viene desilusionando con sus obras (léase Eastwood; éste prepara su próximo opus para el 2012), pero quizás sí es al que más se extraña. Sus últimas realizaciones no pasan de vacuas comedias románticas que, más allá de que no sé si este hombre alguna vez hizo realmente cine, cada vez están más lejos de ser cine, y cada vez más cerca del universo teatral-televisivo. El reparto de esta peli, que será una de las más esperadas en Cannes, es sin dudas de lo más prometedor del año: Marion Cotillard, Rachel McAdams, Owen Wilson, Michael Sheen, Adrien Brody, Kathy Bates, etc. Habrá que ver qué sale...

14) War Horse, de Steven Spielberg

Sinopsis: Basada en una novela infantil también llevada al teatro, War Horse narra la amistad entre un chico y un caballo, que quedan separados por la Primera Guerra Mundial en Europa, y cuyos caminos se vuelven a cruzar en el transcurso del conflicto bélico mundial. Estreno previsto en USA: 10 de agosto de 2011. (FILMAFFINITY)

Este año, el gigante Spielberg se viene con todo, no sólo como productor, sino como director. Con dos nuevos films estando él al mando, esta cinta bélica que promete ser conmovedora e intensa a la vez, atrae muchísimo, sobre todo porque la última vez que vi una peli de Spielberg como director lo único que atiné a decir fue: "qué viejo está Harrison Ford, carajo."

13) Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 2, de David Yates

Sinopsis: El final comienza cuando Harry, Ron y Hermione vuelvan a Hogwarts para encontrar y destruir los últimos horcruxes de Voldemort. (IMDB)

Yates arruinó la historia con la quinta parte, pero con la sexta y séptima le dio una estética que los anteriores directores (exceptuando el formidable aporte de Cuarón en la tercera) nunca pudieron alcanzar. La saga más larga se termina, con una octava parte prometedora en el apartado técnico, y con un reparto de actores que parece querer dar la campanada de la generación. ¿Podrá ser un poquito más digna de los libros esta, la última peli sobre el joven mago? Habrá que ver...

12) Cowboys & Aliens, de John Favreau

Sinopsis: En 1880, en el viejo Oeste, los colonos y los indios se enfrentan en una batalla salvaje por el control de las tierras. Pero cuando la Tierra se ve amenazada por seres de otro planeta, ambos bandos deberán colaborar para salvar a la humanidad. (FILMAFFINITY)

El director de Iron Man 1 y 2 propone una película ambigua pero interesante por sobre todo. Western más ciencia ficción, protagonizados por Daniel Craig y Harrison Ford. ¿Puede ser menos atractiva la fórmula? En un momento de la historia del cine en el que necesitamos cambios y experimentaciones a como dé lugar, esta cinta viene como anillo al dedo, sobre todo tratándose de una industria hollywoodense que cada día está peor, pero aún así tiene ciertos cineastas que hacen lo posible por no dar tanta lástima.

11) The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn, de Steven Spielberg

Sinopsis: Tintin y sus amigos descubren las direcciones de un barco hundido, dirigido por un ancestro del Capitan Haddock, por lo que irán tras el tesoro. (IMDB)

La historia del joven reportero y su perro, dirigida por Spielberg y producida por Peter Jackson, como mínimo, genera expectación. Sobre todo por la calidad de la animación que se puede divisar en los pocos photo captions que rondan por la web. ¿Tenemos aquí al blockbuster del año? Esperemos...

10) Source Code, de Duncan Jones

Sinopsis: Colter Stevens (Jake Gyllenhaal), un soldado que forma parte de un programa experimental del gobierno para investigar un atentado terrorista, despierta en la piel de un viajero del tiempo cuya misión es vivir una y otra vez el atentado a un tren hasta que consiga averiguar quién es el culpable. Michelle Monaghan interpreta a una chica que viaja en el tren, y Vera Farmiga será un oficial de comunicaciones que controlará a Gyllenhaal en su viaje a través del tiempo. (FILMAFFINITY)

Moon (2009) fue una genialidad indie con todas las letras. Este blog la aplaudió, la celebró y la premió. Pero esta nueva cinta del hijo de David Bowie no se ve tan confiable. Una trama difusa, con un reparto para tomar con pinzas, y una temática un poco complicada. De todos modos, este joven se merece el beneficio de la duda porque recién empieza su camino como cineasta y ya nos demostró que sabe muy bien lo que hace, y cómo lo hace, así que habrá que esperar a verla, y reverla.

9) The Ides of March, de George Clooney

Sinopsis: Adaptación cinematográfica de la obra teatral Farragut North de Beau Willimon. Un joven idealista (Ryan Gosling) comienza a trabajar como director de comunicación para un candidato (Clooney) que se presenta a las elecciones primarias del Partido Demócrata. Durante la campaña comprobará hasta dónde se puede llegar para alcanzar la cima en la alta política.(FILMAFFINITY)

Clooney como director gusta mucho en este blog, no sólo como actor. Por suerte es arriesgado, y sabe amalgamar plateas en base al contenido de sus obras. Tenerlo tras las cámaras y que la lista del reparto rece "Paul Giamatti, George Clooney and Philip Seymour Hoffman", cuando menos anticipa una obra sobria y seria, sumada a una temática destacable.

8) The Tree of Life, de Terrence Malick

Sinopsis: El film trata sobre la evolución de un niño llamado Jack con su familia durante los años 50, siendo su madre (Jessica Chastain) el amor y la bondad, y su padre (Brad Pitt) la dureza y quien le enseña a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en su época adulta. Por otro lado el film también narra la historia del universo desde sus inicios. (FILMAFFINITY)

Una de las pelis más anticipadas en mucho tiempo. Ya a esta altura tiene el prejuicio del blog por ser tan promocionada y tener la temática que tiene. Penn, Pitt, etc, conformarán un "viaje" auténtico que esperemos que no nos lleve por caminos soporíferos. Honestamente (y no me odien por esto), sólo la espero porque creo que es vapuleable.

7) Hugo Cabret, de Martin Scorsese

Sinopsis: Adaptación del libro ganador de la medalla Randolph Caldecott en 2008 como mejor libro para niños, con guión de John Logan (Gladiator, The Aviator). La historia se centra en un niño huérfano que vive escondido en una estación de París y que se ocupa de los relojes. El chico se verá envuelto en una misteriosa aventura cuando intente reparar un hombre robot. (FILMAFFINITY)

Habrá que ver si Scorsese puede mantener la calidad de sus últimos films. Ahora por fin deja de lado a su fetiche, Leo DiCaprio, para dar paso a un reparto de jóvenes promesas y otras no tan jóvenes pero que son garantía: Chloe Moretz, Michael Stuhlbarg, Sasha Baron-Cohen, entre otros, prometen ser un reparto brillante para que Martin despersonifique un poco sus películas, a pesar de que pareciera ser, por el título, muy individualista el concepto. Por ser quien es, lo esperamos con los brazos abiertos.

6) Restless, de Gus Van Sant

Sinopsis: Con quince millones de dólares de presupuesto, Restless narra la historia de amor de una joven pareja. Ella (Mia Wasikowska) es una enferma terminal que se enamora de un chico (Henry Hopper) al que le gusta asistir a funerales. Ambos se encontrarán además con el fantasma de un piloto kamikaze japonés (Ryo Kase) de la II Guerra Mundial. (FILMAFFINITY)

Parece que este humanista director está planteándose cosas nuevas, y el concepto de su próxima obra pinta para estar cargada de muchísimas emociones refrescantes. Seguramente sólo él puede tomar con la suficiente soltura la aparición de un espíritu kamikaze, así que esperamos esta obra para ver qué se trae entre manos este cineasta tan llamativo.

5) Contagion, de Steven Soderbergh

Sinopsis: Thriller sobre el estallido de un virus mortal y que se centrará en la enfermedad mortal que causa el virus en varias líneas argumentales. (FILMAFFINITY)

Sí, serán dos las películas que Soderbergh estrenará en este 2011, y estaremos nosotros esperándolas con los brazos y los ojos bien abiertos, listos para recibir una trama atractiva, con un reparto de lujo y, seguramente, una dirección a la altura. Además, con esta y Haywire, todo indica que uno de los directores preferidos de este blog se retiraría de la industria. Ojalá que no, pero eso sólo engrandece las ganas de ver esta peli.

4) A dangerous method, de David Cronemberg

Sinopsis: Sigmund Freud (Vigo Mortensen) y Carl Jung (Michael Fassbender), siendo todavía amigos, tratan de curar la locura de una mujer con un turbio pasado (Keira Knightley). (FILMAFFINITY)

Damas y caballeros, ¡vuelve Cronemberg! Mantiene la participación de su actor fetiche de las últimas películas que hizo, con una historia interesantísima sobre Freud y un amor que alguna vez se disputó con Jung. Es Cronemberg, gente, hay que ver esta peli...

3) Young Adult, de Jason Reitman

Sinopsis: Una escritora que colabora en novelas para adultos que firman otros autores, atraviesa una crisis existencial tras su divorcio. La única solución que se le ocurre para superarla consiste en ponerse en contacto con la gente y los lugares de su pasado. Además intenta mantener una relación con su antiguo novio del instituto, que ahora está recién casado y es padre de un niño. (FILMAFFINITY)

Volviendo a trabajar con la excéntrica Diablo Cody (Juno, 2007), Reitman -ganador a Mejor Dirección en el 2009 en este blog- lanza su próxima película después de la obra maestra Up in the air (2009). Este joven y prometedor director es uno de los mejores en la industria en estos momentos, y por lo que se sabe de esta cinta parece que no va a bajar los brazos en esa empresa. Sin dudas, hay que ver qué se traerá entre manos este genio.

2) Carnage, de Roman Polanski

Sinopsis: Narra la historia de dos parejas de padres que deciden tener un encuentro cordial después de que sus hijos están involucrados en una pelea en el patio de la escuela. (IMDB)

El mejor director del 2010 según este blog, ya prepara su próxima película con una temática que no le sienta pero que puede sorprender. Este sabio del cine se viene poniendo humano hace una década, y este film con Kate Winslet parece que puede ser el batacazo con un guión más que prometedor y un giro violento de timón en la trayectoria de uno de los mejores directores de la historia.

1) Melancholia, de Lars Von Trier

Sinopsis: Dos hermanas encuentran cambiada su relación cuando un planeta cercano a la tierra, el Planeta Melancholia, amenaza con chocar contra la Tierra. (IMDB)

El aburrido Von Trier desestructuró su Dogma 95 con la despereja pero perturbadora AntiChrist (2009), un film que este blog ya ha revisionado más de cuatro veces y aún le encuentra cosas nuevas -y le suma calificación-. Ahora se tira a la ciencia ficción, con la musa Charlotte Gainsbourg y la interesante Kristen Dunst al frente del proyecto. Apocalipsis, existencialismo y crisis familiar de la mano de un hombre que año a año se busca en su propio cine. A ver si con un mundo metafóricamente literal viniéndosele encima lo encuentra, y de rebote nos regala la mejor película del año. Habrá que ver...

Películas que quedaron para el 2011

2011-03-20T15:51:00.000-07:00

Como siempre, uno no llega a ver todo lo que el año ofreció, ya sea porque no da el bolsillo, ni la velocidad de internet, o lo que sea. Muchas veces, como ésta, depende el lugar de donde venimos. Y es que este año el blog no pudo hacerse con algunos títulos no-comúnes, de procedencia extranjera en su mayoría, que le hubiese gustado tener en cuenta para la selección oficial 2010.

Pero como, gracias a Dios, el cine es atemporal en ciertos aspectos, aquí pasamos a nombrar los títulos que quedan para visionar y comentar esta temporada, y que capaz puedan ser considerados para la premiación del año que viene. Si todo sale bien, el BAFICI 2011 le va a salvar las papas al blog en esta empresa, y quizás le podamos dedicar un especial al mismo, y así de paso nos ponemos al día con estos títulos, que en su mayoría estarán en la grilla oficial de uno de los eventos cinematográficos más importantes de la Argentina.

Estos son, sin orden de preferencia, los films que quedan para el 2011:

Como dijimos anteriormente, son títulos en su mayoría extranjeros y de difícil llegada. Son importantes, sí, pero no serán dejados de lado. Esperemos poder hacernos con ellos y comentarlos en su momento.

Top 10 de películas del 2010

2011-03-14T17:05:00.000-07:00

En un año con un montón de títulos visionados y reseñados, nos disponemos a hacer el ranking de los films más recomendables de este ya lejano 2010 que se pasó.

10) Black Swan

La película de Darren Aronofsky toca el tema del afán de superación con un tratamiento psicológico muy bueno, apoyado con una fotografía deslumbrante y un reparto de actores excelente. La femeneidad, la sexualidad, los retos y los traumas, condensados en un justo metraje hilado con un gran guión al compás de El Lago de los Cisnes. Elegida por la blogósfera cinéfila como la mejor película del año.
(Puntaje que le dio el blog: 8)

9) Blue Valentine

Un tal Derek Cianfrance se inicia en el mundo del cine con una pareja (la pareja del año) que está en una crisis de identidad. Ryan Gosling y la actuación de su carrera, más una Michelle Williams que está sobresaliente en su desempeño, engloba una historia triste que le escapa al melodrama simplón con cordura, originalidad y brío. Oscura pero poéticamente realista.
(Puntaje que le dio el blog: 9)

8) The bad lieutenant: Port of Call - New Orleans

Werner Herzog logra una comedia negra deliciosa, con un Nicolas Cage en su mejor pose (encorvada) y un reparto que se pasa. El guión, la fotografía, y especialmente la banda sonora de Mark Isham hacen de este film una pieza imperdible de lo que dejó el año. Cine clásico, bien hecho.
(Puntaje que le dio el blog: 9)

7) Vincere

Marco Bellochio lo hace de nuevo. Cine puro, que suda cine y se seca con más cine. Una Giovanna Mezzogiorno alucinante, marcando el contrapunto entre sensualidad y demencia, y un Filippo Timi que se banca dos personajes a la perfección. Eso, más un desempeño artístico estupendo, combinado con el uso de material de archivo que le cae como anillo al dedo, hace que cuando aparecen opus como estos estremezca dar cuenta de lo que puede hacer el séptimo arte cuando una historia -por muy simple que sea- está bien narrada.
(Puntaje que le dio el blog: 9)

6) Excursiones

Ezequiel Acuña retoma el trabajo hecho con un corto llamado Rocío, rodado en 1998 en Super 5, para dar pie a una historia de reencuentro, amistad y la vida como una obra de teatro. La sinceridad de los personajes (liderados por un Alberto Rojas Apel que deslumbra), la fotografía en blanco y negro esquivando el cliché del flashback clásico (aquí, lo de antes se termina por ver a todo color), y los videoclips marca registrada de Acuña con la música de La Foca, conjugan una delicia cinematográfica, una de las más celebradas del año por este blog. Siempre antes fue mejor, es el mensaje final. Excelente.
(Puntaje que le dio el blog: 9)

5) The King's Speech

El afano de esta obra en la temporada de premios comenzó con el gusto del público en Toronto y terminó con el Oscar a Mejor Película, Dirección, Guión Original y la actuación protagónica de Colin Firth. La historia del Rey Jorge VI, tartamudo desde la infancia, está narrada con tal pulso cinematográfico que es increíble como se eluden las convenciones del cine industrial. Puede que haya sido concebida para ganar premios, pero, si el proceso determina una obra disfrutable y bella desde todo sentido de análisis, ¿cuál es el problema? El reparto, un lujazo. Una de las mejores películas del año, sin lugar a dudas.
(Puntaje que le dio el blog: 9)

4) Shutter Island

A estas alturas del año pasado, el blog celebraba el regreso a la pantalla grande de dos directores: uno de ellos era Martin Scorsese. La psicología de su obra está estructurada y manipulada técnicamente con una grandeza indescriptible. La fotografía y el montaje marcan el ritmo, y van abriendo camino a un desenlace tan espectacular como incierto, coronado con la frase del año salida de la boca de un DiCaprio en su mejor forma: "¿Qué es mejor, vivir como un monstruo o morir siendo un hombre bueno?" Un disfrute incalculable, con suspense al máximo y excelencia en cada uno de los rubros, incluyendo esa banda sonora genial confeccionada por el propio Scorsese. Una oscura pero gratificante maravilla.
(Puntaje que le dio el blog: 9)

3) The Ghost Writer

El otro regreso que celebró, aún más, el blog fue el de Roman Polanski, quien a pesar de sus inconvenientes judiciales se puso la cámara a cuestas y rodó una historia deslumbrante, basada en una novela de Robert Harris (quien también colaboró en el guión) que aprovecha para darle palo a las relaciones políticas británicas con los Estados Unidos de Bush en la lucha por el petróleo. Una radiografía de un personaje tan enigmático como el protagonista, más un ritmo asombroso, actuaciones geniales y una dirección magistral como sólo Polanski lo podía lograr, aunando su experiencia con thrillers y adaptándola a la nobleza que ahora posee. Híper recomendable pieza cinematográfica.
(Puntaje que le dio el blog: 9,50)

2) Mr. Nobody

Jaco van Dormael logró una historia compleja, atractiva, confusa y artística. Jared Leto se pone lo que sea encima para sacar a relucir unos dotes actorales hasta hoy desconocidos, para generar una química magnífica con Sarah Polley y Diane Kruger, ambas sensacionales en sus papeles. La fotografía y el montaje se llevan todos los aplausos (la edición en particular llevó un año entero), pero más aún el laberíntico y fabuloso guión de Dormael. Videoclip, pastiche, teatro, existencialismo... todo, definido en esa maravilla divina llamada cine. Casi perfecta.
(Puntaje que le dio el blog: 9,50)

1) Toy Story 3
La forma más perfecta, mágica y emotiva de terminar una trilogía, lograda con la ya habitual y tradicional calidad única de la factoría de Disney Pixar. Los juguetes vuelven para irse. El final más lacrimógeno en mucho tiempo, con una historia que duele como crecer. El que no se sienta identificado con esta película, es porque no tuvo infancia. El final de la saga de Toy Story termina como empezó (además del plano de ese "cielo"): quedando en la memoria histórica como una obra perfecta desde todo sentido, enseñando a amar la vida, la amistad y rescatando valores que -entre celulares y mp3- hoy están perdiéndose lentamente. Una maravilla única en el... en el infinito y más allá.
(Puntaje que le dio el blog: 10)

PREMIOS PALITOH 2010: Ganadores

2011-03-12T13:12:00.000-08:00

¡Bienvenidos!

De entre más de 120 títulos en la temporada que va de marzo a marzo, estos son los ganadores de los premios del blog a lo mejor y lo peor del año. ¡Acompáñenme a conocerlos! Empecemos:

Peor Película:

The Tourist
Predators
The Marc Pease Experience

La peor película del 2010 fue:

- Desilusión del Año:

Alice in Wonderland
A single man
Robin Hood

La película que más desilusionó este 2010 fue...

- Mejor Escena o Secuencia del Año:

Los nominados son...

Jugando por última vez - Toy Story 3

Pelea en el hotel - Inception

El grito con la cámara alejándose - 127 hours

Carrera Hollandia Club vs Harvard - The social network

Totem del final - Inception

La mejor escena o secuencia del 2010, por la emotividad, y la enorme capacidad de transmitir el mensaje general de la película respecto al pasaje de las generaciones, fue...

Jugando por última vez - Toy Story 3

- Mejor Sonido:

Valhalla Rising
Green Zone
Inception
True Grit
Somewhere

El ganador es...

- Mejor Edición de Sonido:

Scott Pilgrim vs The World
Green Zone
Toy Story 3
Inception
True Grit

El premio se lo lleva...

- Mejor Maquillaje y/o Peluquería:

The Wolfman
Mr. Nobody
Alice in Wonderland
Loong Boonmee raleuk chat
The Way Back

El mejor maquillaje del año fue de...

- Mejor Vestuario:

The King's Speech
Alice in Wonderland
True Grit
Vincere
The last station

El premio al mejor diseño de vestuario va para...

- Mejor Dirección Artística:

Inception
Alice in Wonderland
The King's Speech
True Grit
Vincere

La mejor dirección de arte del año fue de...

- Mejores Efectos Visuales:

Clash of the Titans 3D
Inception
Alice in Wonderland
Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 1
Tron: Legacy

El mejor CGI del 2010 fue de...

- Mejor Canción de Película

"We belong together", Randy Newman - Toy Story 3
"Everyday", Buddy Holly - Mr. Nobody
"If I rise", Dido y A.R. Rahman - 127 hours
"I see the light", Alan Menken y Glenn Slater - Tangled
"Hay un amigo en mí", Gipsy Kings (R. Newman) - Toy Story 3

La mejor canción de película del 2010 fue...

"We belong together", Randy Newman - Toy Story 3, por su letra y divertida musicalización, que además sirve como catársis luego del final más triste del año.

- Mejor Banda Sonora:

Carlo Crivelli - Vincere
Mark Isham - The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans
Alexandre Desplat - The Ghost Writer
Randy Newman - Toy Story 3
John Powell - How to train your dragon

El premio a la mejor banda sonora del año va para...

Randy Newman - Toy Story 3

- Mejor Montaje o Edición:

Scott Pilgrim vs the World
The social network
Mr. Nobody
127 hours
Inception

El mejor montaje del año fue de...

Susan Shipton y Matyas Veress, por Mr. Nobody, un trabajo que llevó un año de duración para una historia magnífica.

- Mejor Fotografía:

Kynodontas
Inception
The King's Speech
Black Swan
Shutter Island

La mejor fotografía del año, por la forma en la que acompaña la historia (y la anticipa), con todo un trabajo psicológico perfectamente ensamblado con el guión y la dirección, es de...

Robert Richardson

- Mejor Película Animada

Toy Story 3
Tangled
How to train your dragon
L'Illusionniste
Despicable Me

La mejor película animada del 2010, sin lugar a ninguna duda, fue...

- Mejor Película Argentina:

Carancho
Dos hermanos
El Rati Horror Show
Excursiones
El hombre de al lado

En este gran año 2010 del cine argentino, la mejor película fue...

- Mejor Comedia del Año:

Due Date
Jackass 3D
Scott Pilgrim vs the World

La comedia del año, por la química de sus protagonistas y el virtuosismo en la dirección, es...

- Mejor Película Non-Hollywood:

Animal Kingdom (Australia)
Vincere (Italia)
Excursiones (Argentina)
Loong Boonmee raleuk chat (Tailandia)
Cinco días sin Nora (México)

Y la ganadora es...

- Mejor Dirección Novel:

David Michôd - Animal Kingdom
Derek Cianfrance - Blue Valentine
Aaron Schneider - Get Low

La mejor dirección novel del año, y muy prometedora (aunque todas lo fueron), es de...

Aaron Schneider, por Get Low

- Mejor Guión Adaptado:

The social network
Toy Story 3
The ghost writer
127 hours
Shutter Island

El premio al mejor guión adaptado, por su análisis de la sociedad y sus necesidades de comunicación compulsiva, y un uso de los tiempos magnífico, es para...

Aaron Sorkin

- Mejor Guión Original:

Mr. Nobody
Another Year
Black Swan
The King's Speech
Shi

El premio al mejor guión original, también por su manejo impresionante de los tiempos, y por una historia tan romántica como exisentencial, va para...

Jaco van Dormael

- Mejor Actuación Femenina en un Rol Secundario:

Olivia Williams (The ghost writer)
Juliane Moore (The kids are all right)
Amy Adams (The fighter)
Helen Mirren (The last station)
Elle Fanning (Somewhere)

La ganadora es...

- Mejor Actuación Masculina en un Rol Secundario:

Andrew Garfield (The social network)
Ewan McGregor (I love you Phillip Morris)
Geoffrey Rush (The King’s Speech)
Christian Bale (The fighter)
Ben Mendelsohn (Animal Kingdom)

El ganador es...

- Mejor Actuación Femenina en un Rol Protagónico:

Natalie Portman (Black Swan)
Annette Bening (The kids are all right)
Hailee Steinfeld (True Grit)
Giovanna Mezzogiorno (Vincere)
Nicole Kidman (Rabbit Hole)

El Palitoh a la Mejor Protagonista Femenina es para...

- Mejor Actuación Masculina en un Rol Protagónico:

Jesse Eisenberg (The social network)
Colin Firth (The King’s Speech)
Javier Bardem (Biutiful)
Alberto Rojas Apel (Excursiones)
Robert Duvall (Get Low)

Este año, esta fue la terna más complicada de definir, pero como hay que elegir a alguien, el Palitoh al Mejor Protagonista Masculino es para...

MENCIONES ESPECIALES:

- Actor Prolífico 2010

Matt Damon, por sus excelentes actuaciones en Green Zone, Hereafter y True Grit, respondiendo a enormes directores como Greengrass, Eastwood y los hermanos Coen.

- Actriz Prolífica 2010
Helena Bonham Carter, por sus interesantísimos aportes en películas de gran factura industrial como Alice in Wonderland, Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 1 y The King's Speech.

- Mejor Reparto:

Black Swan
The social network
Animal Kingdom
The King's Speech
The kids are all right

El Palitoh al Mejor Reparto del 2010 es para...

- Mejor Dirección:

Roman Polanski (The ghost writer)
Giorgos Lanthimos (Kynodontas)
David Fincher (The social network)
Tom Hooper (The King’s Speech)
Marco Bellocchio (Vincere)

El premio a la mejor dirección del año, por el estilo clásico y la atmósfera que logra, va para...

Roman Polanski

Mención Especial:
Resulta inevitable destacar la labor de Polanski en el 2010. Por su regreso al cine, ¡y de qué forma!, a pesar de los obstáculos de la vida. El hecho de que haya terminado de editar en su casa una película tan exquisita como The ghost writer, como mínimo, amerita una mención especial. Es por eso que 'El Blog de Pablo Martínez' homenajea a Roman Polanski por su último film.

- PREMIO DE LA BLOGÓSFERA CINÉFILA:

El 37% de sus votos convirtió en ganadora a...

Y ahora, el premio mayor...

- MEJOR PELÍCULA:

Los nominados son...

Toy Story 3
Mr. Nobody
Shutter Island
The ghost writer
The King’s Speech
Get Low
Vincere
The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans
Excursiones
Blue Valentine

Y la ganadora del Palitoh de Oro a la Mejor Película del año va para...

...

...

...

...

...

¡¡TOY STORY 3!!

Palmarés:
Toy Story 3: 5
The ghost writer: 3
Mr. Nobody: 3
Inception: 3
The King's Speech: 2
Excursiones: 2
Alice in Wonderland: 2

Películas con 1 premio: The social network, Vincere, Black Swan, Due Date, Get Low, True Grit, The fighter, Shutter Island y The Marc Pease Experience.

Muchas gracias por seguir estos premios y por votar en la encuesta. Nos vemos mañana para el Top 10 de las películas más recomendables del 2010.

¡Un fuerte abrazo!

PM

PREMIOS PALITOH 2010: Nominaciones

2011-03-09T18:09:00.000-08:00

¡Bienvenidos! Estos son los nominados a los premios que el blog otorga a lo mejor y lo peor que se reseñó en el año.

Peor Película

Desilusión del Año

Mejor Escena o Secuencia del Año

Jugando por última vez - Toy Story 3

Pelea en el hotel - Inception

El grito con la cámara alejándose - 127 hours

Carrera Hollandia Club vs Harvard - The social network

Totem del final - Inception

Mejor Sonido

Mejor Edición de Sonido

Mejor Maquillaje y/o Peluquería

Mejor Vestuario

Mejor Dirección Artística

Mejores Efectos Visuales

Mejor Canción de Película

"We belong together", Randy Newman - Toy Story 3

"Everyday", Buddy Holly - Mr. Nobody

"If I rise", Dido y A.R. Rahman - 127 hours

"I see the light", Alan Menken y Glenn Slater - Tangled

"Hay un amigo en mí", Gipsy Kings (R. Newman) - Toy Story 3

Mejor Banda Sonora

Carlo Crivelli - Vincere

Mark Isham - The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans

Alexandre Desplat - The Ghost Writer

Randy Newman - Toy Story 3

John Powell - How to train your dragon

Mejor Montaje o Edición

Mejor Fotografía

Mejor Película Animada

Mejor Película Argentina

Mejor Comedia

Mejor Película Non-Hollywood

Animal Kingdom (Australia)

Cinco días sin Nora (México)

Loong Boonmee raleuk chat (Tailandia)

Excursiones (Argentina)

Vincere (Italia)

Mejor Dirección Novel

David Michôd - Animal Kingdom

Aaron Schneider - Get Low

Derek Cianfrance - Blue Valentine

Mejor Guión Adaptado

Aaron Sorkin - The social network

John Lasseter, Andrew Stanton, Lee Unkrich y Michael Arndt - Toy Story 3

Danny Boyle y Simon Beaufoy - 127 hours

Robert Harris y Roman Polanski - The ghost writer

Laeta Kalogridis - Shutter Island

Mejor Guión Original

David Seidler - The King's Speech

Jaco van Dormael - Mr. Nobody

Mike Leigh - Another Year

Chang-dong Lee - Shi

Mark Heyman, Andres Heinz y John J. McLaughlin - Black Swan

Mejor Actuación Femenina en un rol Secundario

Mejor Actuación Masculina en un rol Secundario

Mejor Actuación Femenina en un rol Protagónico

Mejor Actuación Masculina en un rol Protagónico

Mejor Reparto

Mejor Dirección

Roman Polanski - The ghost writer

Giorgos Lanthimos - Kynodontas

David Fincher - The social network

Tom Hooper - The King's Speech

Marco Bellocchio - Vincere

Mejor Película

TOY STORY 3

SHUTTER ISLAND

MR. NOBODY

THE GHOST WRITER

EXCURSIONES

VINCERE

THE KING'S SPEECH

GET LOW

THE BAD LIEUTENANT: PORT OF CALL - NEW ORLEANS

BLUE VALENTINE

Tabla de nominados:

The King's Speech: 9
Toy Story 3: 8
Inception: 8
Vincere: 7
The social network: 7
The ghost writer: 5
Mr. Nobody: 5
True Grit: 5
Alice in Wonderland: 5
Black Swan: 4
Animal Kingdom: 4
127 hours: 4
Excursiones: 4
Get Low: 3
Shutter Island: 3
Scott Pilgrim vs The World: 3
The kids are all right: 3
Kynodontas: 2
The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans: 2
Tangled: 2
Somewhere: 2
Loong Boonmee raleuk chat: 2
Blue Valentine: 2
Green Zone: 2
How to train your dragon: 2
The Fighter: 2
The last station: 2

Esta noche, las nominaciones

2011-03-08T22:42:00.000-08:00

Hoy, después de tantas veces pospuesta, finalmente llegará la entrega de los nominados a los Premios Palitoh 2010. Les anticipo que la selección oficial de este año, como ya dije en el post anterior, será el doble de competitiva que la del año pasado, literalmente: ¡más de 100 títulos elegibles en más de treinta ternas! Hay novedades y, sobre todo, un intento de variar un poco.

Los espero a partir de las 22:00 hs de Argentina -02:00 de España (hora pico cinéfila, ¿no? Incluso un miércoles)- para conocer a los aspirantes a los Premios Palitoh 2010.

Damos comienzo a la etapa de premiaciones del blog. ¡Cómo nos gusta esta época!

Ternas de los Premios Palitoh 2010

2011-03-07T10:47:00.000-08:00

Amigos, este miércoles 9 el blog publicará la lista de nominados a lo mejor y lo peor del 2010 que se fue. Este año hay novedades, desde cambios en los nombres de algunas ternas, hasta incluso nuevas ternas. Asimismo, se respetará la lista de las 10 películas más recomendables, y se les dará su fecha propia, un día después de dar a conocer los ganadores, este sábado 12.

Este año, a diferencia de las sólo 52 películas en la Selección Oficial 2009, hay más de 100 cintas en competición. Sí, ¡habrá más del doble de competencia! No hay un número exacto, porque aún quedan títulos por visionar, pero son más de cien seguro.

Aquí va, como el año pasado, la lista de las ternas de los Premios Palitoh 2010:

- Peor Película (tres nominados)

- Desilusión del Año (tres nominados)

- Mejor Escena o Secuencia del Año (cinco nominados)

- Mejor Película Animada (cinco nominados)

- Mejor Película non-Hollywood (cino nominados)

- Mejor Película Argentina (cinco nominadas)

- Comedia del Año (tres nominados)

- Mejor Canción de Película (cinco nominados)

- Mejores Efectos Visuales (cinco nominados)

- Mejor Montaje o Edición (cinco nominados)

- Mejor Banda Sonora (cinco nominados)

- Mejor Sonido (cinco nominados)

- Mejor Edición de Sonido (cinco nominados)

- Mejor Dirección Artística (cinco nominados)

- Mejor Vestuario (cinco nominadas)

- Mejor Maquillaje y/o Peluquería (cinco nominadas)

- Mejor Fotografía (cinco nominados)

- Mejor Dirección Novel (cinco nominados)

- Mejor Guión Adaptado (cinco nominados)

- Mejor Guión Original (cinco nominados)

- Mejor Actuación Femenina en un rol Secundario
(cinco nominados)

- Mejor Actuación Masculina en un rol Secundario
(cinco nominados)

- Mejor Actuación Femenina en un rol Protagónico
(cinco nominados)

- Mejor Actuación Masculina en un rol Protagónico
(cinco nominados)

- Mejor Reparto (cinco nominados)

- Mejor Dirección (cinco nominados)

- Mejor Película (diez nominados)

Los Premios Especiales serán:

- Actor Prolífico del 2010

- Actriz Prolífica del 2010

- Mención Especial

- Premio de la Blogósfera Cinéfila

Los espero, entonces, este miércoles 9 de marzo para conocer los Nominados a los Premios Palitoh 2010.

Un gran abrazo para todos!

Excursiones

2011-03-06T21:05:00.000-08:00

Título: Excursiones

Dirección: Ezequiel Acuña

Guión: Ezequiel Acuña, Alberto Rojas Apel, Matías Castelli

Género: Comedia, Drama

Duración: 80 minutos

Orígen: Argentina

Año: 2010
Reparto: Alberto Rojas Apel, Matías Castelli, Martín Piroyansky, Martina Juncadella, etc.

Matices de la amistad

El cine argentino tuvo un gran 2010. Excursiones, a pesar de su corta pasada por la cartelera (en el Malba, a principios de año), aún así parece haber sido la propuesta más refrescante de todas. Y eso que este año Trapero, Caetano, Burman y Piñeyro hicieron sus nuevas incursiones.

Antes que nada, debo hacer la salvedad al mencionar que tuve el honor de recibir como obsequio esta obra, en manos del propio Ezequiel Acuña, quien compartió unas bonitas clases en la Escuela de la revista El Amante. Tenía muchas ganas de verla, pero en la ciudad que vivo nunca llegaría, ni siquiera en formato dvd. Tuve suerte al encontrarme con su director, y ahí poder disfrutarla.

Cuesta encontrarle errores a Excursiones (2010), justa ganadora de Mejor Película Argentina en los Fipresci Argentina 2010. De hecho, creo que sólo le encontré uno, de continuidad, hacia el final de la trama (Castelli señala hacia la derecha y en el plano siguiente está haciéndolo hacia la izquierda). Más allá de eso, es una delicia cinematográfica.

El encuentro de dos amigos, luego de mucho tiempo, y en ocasiones fortuitas, traza una historia bellísima, sobre el amor en tiempos de prejuicios. Porque la ambigüedad de la relación de Marcos (Matías Castelli, co-guionista con Apel y Acuña) y Martín (Rojas Apel, en una cátedra de actuación) puede despertar inquietudes, pero eso es lo mágico. En esos matices tan significativos -el contrapunto y escape al cliché con la decisión estética de que los recuerdos (la escena final) sean en color y el presente en blanco y negro son, además de ingeniosos, hasta emotivos- se maneja una trama que paseará por el costumbrismo, pero no sin antes hacer varias paradas por la comedia y el drama. Ambos extremos, como opuestos que se atraen, colisionan en destellos de cine puro, de ese que no se ve todos los días.

Lo curioso de Excursiones es que es un guión adaptado de Rocío, un corto que Acuña dirigió en 1998, y en el habían dos amigos que convivían en su etapa entrada en la adultez: ellos eran Martín y Marcos. Respetando la cronología de una manera asombrosa e inteligente, Excursiones se plantea como un "después de...", permitiéndose el lujo de tener material de archivo para auténticos flashbacks en los cuales tendremos a los actores realmente más jóvenes, diez años antes. Si a eso le sumamos el estilo ya característico de Acuña, con su veta musical puesta al servicio de intervalos videocliperos muy narrativos y descriptivos de lo que se quiere mostrar, tenemos algo imperdible, impagable.

La magia que circula por cada cuadro de esta película es indescriptible. Porque Acuña filma con todo bien medido, bien pensado. Y también se da permisos de improvisación (hay escenas, como una en que ambos protagonistas buscan la casa de un director de teatro, en que los actores inventaron los parlamentos al momento del rodaje) en momentos de mera transición. Detallismo, rigor y buen gusto. Eso es Excursiones. Un retrato de una amistad, y no la amistad, como imposición de una forma de vida. No, no hay otra amistad como la de Marcos y Martín, así como no hay ni va a haber otra película como Excursiones. Ni siquiera Rocío.

The Tourist

2011-03-06T20:26:00.000-08:00

Título: The Tourist

Dirección: Florian Henckel von Donnersmarck

Guión: Florian Henckel von Donnersmarck, Christopher McQuarrie, Julian Fellowes y Jérôme Salle

Género: Drama, Acción, Romance

Duración: 103 minutos

Orígen: Estados Unidos, Francia

Año: 2010
Reparto: Johnny Depp, Angelina Jolie, Paul Bettany, Timothy Dalton, etc.

Identidad indefinida, o comedia trasvestida

Resulta complicado definir un film como este. Uno no sabe si va en broma (después de todo, eso por lo visto pensó la prensa extranjera acreditada en EE.UU., porque la nominaron a Mejor Película - Comedia en los Globo de Oro), si va en serio y realmente es tan mala, o si realmente existe algún ser humano que aguante las arcadas después de una película tan zonzita como esta.

Lo más despreciable de Hollywood es cuando hace películas en otro país, y actúa como esos turistas que no tienen ningún pudor en mostrar lo forasteros que son con sombreros de paja grandes para cubrir el sol, capris, y la bendita cámara fotográfica. En The Tourist (2010), la cámara se muestra indecisa: no sabe si generar una diapositiva tras otra (nunca lo llamaremos fotograma en esta ocasión) en formato postal, o apreciar los cada vez más preciosos atributos físicos de la nueva Cleopatra, Angelina Jolie (no lo digo por exagerar, realmente será Cleopatra para James Cameron).
Y encima lo tenemos a Johnny Deep, que está contento como un niño porque en esta le permitieron hacer algunas piruetas a lo Jack Sparrow, como correr sobre tejados, zafar de morir sobre un barquito, y poner esa cara tan... Sparrow (por no decir "de cretino") en algunas secuencias de esas que hacen de climax.

Lo peor de The Tourist (va con mayúscula porque es como EL turista... como un nombre propio ¿entienden? ojo, es importante...) es el desperdicio que significa para el cine. No lo digo en términos de guión, ya que eso está demás, sino porque con esta película se cae la ilusión de una promesa europea en la realización, como lo es Henckel von Donnersmarck. Sí, el autor (con todo lo que pesa esa palabra) de Das Leben der Anderen (2006), ganadora del Oscar y otrora obra de culto de la década que se fue, se rebajó a esto.
¿Y, después de todo, qué es esto? Un film indefinido. Puede ser tan comedia como drama barato, trama de acción malograda, o romance onanista (te como la boca pero dormís en el sofá). Y encima, Bettany hace de agente secreto... lo prefiero como el ángel cursi de Legion (2010).

Lo único que se puede rescatar de The Tourist, entre sus escenas aburridas y excesivamente musicalizadas (en Hollywood deben creer que nos van a zumbar los oídos si no ponen música en una secuencia), su comedia barata y romanticona bien grasa, es el contexto veneciano que se explota hasta el límite. Momento... ¿no fue filmada en Venecia? ¿es, una vez más, un artificio de la fábrica de mentiras? Entonces, ¿qué tiene de bueno The Tourist?

The King's Speech

2011-03-02T18:30:00.000-08:00

Título: The King's speech

Dirección: Tom Hooper

Guión: David Seidler

Género: Drama, Comedia

Duración: 118 minutos

Orígen: Inglaterra, Australia, Estados Unidos

Año: 2010
Reparto: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, Guy Pierce, Thimothy Spall, etc.

El cine de las masas también puede ser cine

Cerramos la 'Semana de los Oscars' con la gran ganadora. Mejor Guión Original, Mejor Actor Protagonista (Colin Firth, inmenso en su construcción del papel), Mejor Dirección y Mejor Película. ¿Merecido el premio mayor? Por supuesto, se trata de la Academia estadounidense. Cualquier película que no vaya más allá de un mensaje lineal merece un Oscar.

Pero The King's speech (2010), así no estemos de acuerdo con su mensaje, es una gran película. Una gran película. Estéticamente, escapa a los vicios televisivos de su principiante director, Hooper, y acude a un trabajo fotográfico brillante por parte de Danny Cohen, con una construcción de encuadres detallista y una búsqueda de la información en el plano magnífica, para salvarse. El cuidadoso trabajo en la profundidad de campo pondría orgulloso a un Kubrick o un Wells, algo que quienes en el cine sólo miran las historias probablemente no valoren.

La imagen es muy respetada en esta película sobre Jorge VI, el rey popularmente conocido en la historia monárquica por su problema de tartamudez. Hay, como decíamos, información medida, ya sea en los planos-detalle como en los granangulares ocupados en espacios íntimos del protagonista. La realidad inmediata del personaje tan sutilmente actuado por Firth se muestra distorisionada y complicada en la primera lectura, mientras la cámara lo acompaña como un amigo más.

El público simpatiza con Jorge VI (aún cuando fue quien fue históricamente, a nivel político) y se preocupa por su condición, pero, incapaz de hacer algo a diferencia de Lionel Logue (otra gran actuación, a manos de Geoffrey Rush), se quedará inerte ante la pantalla hasta la resolución. Porque el guión está tan bien trabajado, que va dosificando la información a cuentagotas, sin caer en el esquematismo del in crescendo melodramático, y repartiendo esa cuota de comicidad que a veces pide una historia tan empalagosa como esta.

Hooper cumple por eso: porque en una historia tan política como la que podía ser The King's speech, logra ser apolítico; porque en un melodrama barato como el que podía ser, logra diversión; porque logra romper y desmitificar la imagen monárquica, a pesar de la opulencia en la dirección de arte (algo inevitable, dado el contexto); porque no abusa de la situación histórica mundial, salvándonos de una típica cinta con trasfondo sobre la 2da Gran Guerra e invitándonos a una historia humana; porque en una trama ya conocida, con un final "feliz", logra conmover y cautivar. Y, básicamente, porque respira y suda cine en cada fotograma y en cada espacio del cuadro. Una obra de arte hecha a lo malabar.

Es "oscarizable", pero también tiene méritos artísticos, como todas las que estaban ternadas en el premio mayor. The King's speech no es una mala película. Es una gran película, salvando alguna que otra escena tediosa como la secuencia final, en la cual no economiza en nada el discurso, algo que hubiésemos agradecido los que la disfrutamos en todo su metraje.

The kids are all right

2011-02-28T10:58:00.000-08:00

Título: The kids are all right

Dirección: Lisa Cholodenko

Guión: Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg

Género: Drama, Comedia

Duración: 106 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010
Reparto: Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson, etc.

Gracias Clinton, por dejarnos hacer una familia

Cuando me enteré que saldría una película con una temática tan jugada, me ilusioné mucho. Sobre todo porque se trataba de un guión original. El quiebre que podría sufrir una familia, conformada por dos madres lesbianas, cuando sus hijos adoptivos decidieran conocer al donante de esperma, no podía fallar. No obstante, la primera descepción llegó cuando supe que se lo vería con una perspectiva cómica. ¿Qué podía salir de eso? Y sí, a veces Hollywood amaga con innovar, pero nunca se sale de los cánones y a sus miembros no les da el cerebro para hacer historias jugadas.

The kids are all right (2010) no es, para nada, la excepción a la regla. Lo que podía ser tranquilamente una trama rica en contenido sociopolítico, no es más que un horrendo disfraz con el que se viste una historia más sobre la familia en tanto institución, que se rompe cuando un factor externo irrumpe en su modus operandi. Tratamiento súper burgués, que no se salva ni con las exquisitas actuaciones de Julianne Moore, Annete Bening y Mark Ruffalo.

En realidad, todo el reparto es una maravilla. Lo hace muy bien y con mucho realismo. Pero eso no es suficiente. El guión de Cholodenko y Blumberg es embustero, está lleno de arquetipos familiares -que van desde la idiosincrasia propia de su micro universo hasta el protocolo y ceremonial a la hora de la comida- y golpes de efecto manipuladores. El revés ultra obvio que da la trama hacia la mitad de la historia no sólo la convierte en una pésima y engañosa historia, sino que además la reestructura hasta convertirla en una telenovela (lésbica, por supuesto) filmada. Para colmo, propagandística, porque se da por sentado que, como trasfondo, el liberal e igualitario estado norteamericano apoya y hace posible la vida hermosa que lleva esta familia de clase media-alta, que nunca expresa condiciones obstaculizadas en el trabajo. Todo es bello en este film. Sólo es arruinado por ese villano que quiere romper los cánones familiares. God bless America.

Los rasgos positivos, si es que los hay antre tanto conservadurismo burgués, son claramente las interpretaciones juveniles, que se complementan a la perfección con los adultos. Después, ciertos gags funcionan como elementos aislados, pero Woody Allen los usaría mejor en una de sus películas romanticonas de ahora, sin necesidad de engañar al público con todo ese verso de las lesbianas y su familia perfecta.

De haberse tratado con más respeto y soltura, sería una cinta magnífica. Pero, al contrario, es una más de las tantas teatralizaciones baratas de Hollywood, que por muy independiente que se quiera hacer, no deja de ser una American Beauty homofóbica.

127 hours

2011-02-27T17:21:00.000-08:00

Título: 127 hours

Dirección: Danny Boyle

Guión: Danny Boyle, Simon Beaufoy y Aron Ralston

Género: Drama, Aventura, Thriller

Duración: 94 minutos

Orígen: Estados Unidos, Reino Unido

Año: 2010
Reparto: James Franco, Kate Mara, Amber Tamblyn, Treat Williams, Clémence Poésy, etc.

Soberbia paleolítica

Con una estética videoclipera, el director ganador del Oscar por Slumdog Millionaire (2008), Danny Boyle, nos entrega la historia verídica de un hombre que representó la eterna lucha del ser humano contra sí mismo. "Esta roca me estuvo esperando desde que fue un meteorito", dice el desventurado Aron Ralston (interpretado excelentemente por James Franco). Es una frase muy hecha, pero es cierta. La paradoja del hombre y su prepotencia tecnológica sucumbe ante una simple roca. Esa es la premisa que se explota con deslumbrante timing en la humanamente espeluznante 127 hours (2010).

En un día típico de expedición montañosa en Utah, Ralston pisó mal una piedra y se fue al muere en una grieta que está en el medio de la nada. De ahí, una puesta en escena magnífica nos sitúa cinematográficamente en esa cueva, para que vivamos el doloroso periplo junto a nuestro protagonista.

Cómo hicieron Boyle y Simon Beaufoy para no aburrir, es una incógnita que quizás sólo la puedan contestar tipos como Chris Sparling (guionista de Buried). Pero lo cierto es que, a diferencia de la citada película de Rodrigo Cortés, aquí se necesitan flashbacks y mucho ruido visual para no dormir al espectador. Quizás 127 hours es menos arriesgada que el film español sobre el americano enterrado en Oriente Medio por una cuadrilla de terroristas. Pero también es menos política.

Lo más injusto sería compararlas, pero es inevitable caer en ese vicio. Buried y 127 hours tienen en común el plot, pero el desarrollo es completamente diferente. Mientras la primera es vacua pero adrenalínica, la segunda propone más detenimiento en los sentimientos del protagonista. Sí, ambas necesitan de tecnología ostensible para que la trama sobreviva (cuando en realidad el personaje es quien debiera ser el centro de atención en la supervivencia), pero la cinta de Boyle goza de más lectura simbólica. Cuando Cortés precisa de golpes de efecto y shock (hacia la mitad de la película se le acababan los recursos y, para matar minutos, una serpiente irrumpiría en escena), Boyle transita por la historia de vida de un hombre que está atado a esa hazaña, porque debe superarse a sí mismo y convencerse de que es mejor que todos.

¿127 hours tiene autosuperación? No lo sé, pero transmite un sentimiento de desazón impresionante ante la situación que se divisa en pantalla. Es muy fingida, pero leído con detenimiento es muy destacable el contraste histórico que hay en la escena en que Ralston despliega todo su cargamento tecnológico (era contemporánea) sobre la piedra (prehistoria) que lo está atascando. Resignado a que el origen venza la superioridad de un hombre que cree que ya dominó el mundo, Ralston comienza su catársis (memorable la secuencia del talk show frente a la handycam) y avanza en el tedioso pero sabio sendero del aprendizaje sobre los errores.

El film cierra con una frase: "ahora Ralston siempre avisa adonde va antes de salir". Si bien la gráfica significa más de lo que debiera, y se toma un lugar demasiado imperante por sobre la imagen (lo cual hace un tanto simplona la propuesta), no se sabría definir el mensaje de no ser así. Si vamos al caso, todos conocen el final de la historia, porque todos conocen el caso del hombre que se quedó atascado en una fosa e hizo lo que hizo para escapar (no voy a decirlo para que no digan que hago spoiler como medio mundo).

127 hours es, de antemano, una película pasatista, porque se sabe qué va a suceder desde el desafortunado momento en que Ralston se cae y recién ahí deciden poner el nombre (lo cual nos pone frente al dilema, "¿debo soportarlo yo también?"). No obstante, es un ejercicio de reflexión. Un espejo en el que hay que verse para detenerse un momento y pensar si en verdad tanto de lo que tenemos no es poco ante una situación límite. No, no es un film con moraleja. Pero lo intenta, y eso es lo malo.

True Grit

2011-02-26T21:35:00.000-08:00

Título: True Grit

Dirección: Joel Coen y Ethan Coen

Guión: Joel Coen, Ethan Coen y Charles Portis (novela)

Género: Drama, Aventura, Western

Duración: 110 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010
Reparto: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin, etc.

Sobre el talento de Steinfield, remakes, y una simple producción

Amigos, está ante nuestros ojos una nueva estrella de Hollywood. No, más que eso: una señora actriz. Con ustedes... ¡Hailee Steinfeld! Con tan sólo 15 años de edad, la Academia estadounidense la nominó al Oscar como 'Actriz de reparto'. Pero, no me jodan, es una San Protagonista.
De hecho, no entiendo el punto de dicha categorización. La Academia no la tiene en cuenta porque a su lado hay pesos pesado como Jeff Bridges (ganador del Oscar el año pasado), o un genio como Matt Damon. Y está Josh Brolin también... ... ...

La cuestión es que Steinfield es la verdadera protagonista de este western. Es fácil decidirlo, porque en base a ella parte el primer plot de la trama, así como también los hermanos Coen encaran la perspectiva desde ella. Nuestro punto de vista en la película es a través de Mattie Ross. No vemos nada que ella no vea. ¿Es necesario un nombre reconocido para que además de eso te consideren protagonista?

En fin. True Grit (2010), remake de un film del '69 -entonces estelarizado por John Wayne-, ahora dirigido por los hermanos Coen, no va más allá de los logros de esta joven promesa. Es una historia entretenida, que está rodada respetando a rajatabla las convenciones del Western (incluso hasta venerando sus clichés), ambientada magistralmente, pero nada más que eso. Un film digno de la industria, que en nada se parece a una de los Coen. Para nada es lo mejor que hayan hecho Joel y Ethan, e incluso podríamos estar hablando de lo más flojito de su filmografía.

¿Por qué? Porque, primero que nada, estoy totalmente en contra de las remakes. Me parecen un atentado a la originalidad. Y, tratándose de los Coen, el hecho de que sea un guión adaptado de una novela (y por mucho que la Academia se empeñe en súper nominarla) ya la pone en una situación en la que la miro con reparos, lo que al final la hace una cinta un tanto desdeñable.

Ojo, no es mala, pero tampoco es la gran cosa. Uno cuando está por ver algo de los Coen sabe que va a ver buen cine. Porque quizás los Coen son los mejores de la industria. Es más, a muchos no les caben dudas de que lo son (empezando por Bridges, que sólo por eso aceptó el papel del caricaturizado Rooster Cogburn). Pero True Grit, siendo el divertimento que es, no deja de ser una propuesta a la altura de alguna de las historietas de Tarantino, por ejemplo. Es un cine simplón, sin mucho que ver más que la primera lectura que ofrece la pantalla.

Sí hay homenaje para todos los gustos, que va desde la banda sonora, pasando por los planos detalle a las pistolas enfundadas, hasta el croma en la secuencia final. A propósito, el final es uno de los peores que he visto en mucho tiempo. Queda todo disuelto y abierto. Nada se explicita, e incluso quedan muchas cosas sin explicar. El personaje de Ross de grande, es cualquier cosa.

La dirección de arte es asombrosa. El vestuario, el maquillaje, las escenografías, todas una verdadera maravilla y una hermosa ambientación.
En cuanto a la fotografía de Roger Deakins, que muchos la tienen en los cielos, de ganar el Oscar sólo sería por su trayectoria. En esta película hay pura luz natural, ahí no hay gran mérito. Las escenas de noche sí están bien hechas, y el uso de las tonalidades claras también son bonitas. Pero el resto es más que nada una colección de encuadres sacados de viejas películas del género. No hay que engañarse, tampoco es para tanto.

Si van al cine para divertirse, ver un buen trabajo de producción, y encima se llevan la grata sorpresa de conocer un potencial como el de Steinfield, se encontrarán con una muy buena película. Si entran a la sala pensando que van a ver una de los Coen, no esperen nada más allá de una desilusión.

The Fighter

2011-02-25T11:48:00.000-08:00

Título: The fighter

Dirección: David O. Russell

Guión: Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson y Keith Dorrington

Género: Drama, Biografía, Deporte

Duración: 115 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010
Reparto: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, etc.

Más cuerpo que cabeza

Cuesta creer que se necesitaron cuatro cabezas (cinco, más el dire) para idear una trama tan básica y predecible, partiendo desde el hecho de que es una historia verídica. Siguiendo los cánones del subgénero de 'drama sobre boxeadores sufridos' al estilo Rocky (1976) o Raging Bull (1980) -y un largo y tedioso etcétera-, The fighter (2010) cuenta la historia de cómo Micky Ward fue campeón mundial a pesar de tener un hermano drogón que le hizo sombra toda su vida, sin nunca haber sido nada ni nadie en la vida más que aquel que 'knockeó' a Sugar Ray Leonard (hecho dudoso hasta hoy en día).

Casi como esa fórmula que Dicky Elmund le enseña a su hermano menor para el box, "Cabeza, cuerpo, cabeza...", The fighter no se inmuta en generar novedades estéticas en cuanto a la forma de narrar. Sí, el ritmo es fluido y el film en su totalidad se digiere bien, pero ¿y dónde está la novedad? Si ponemos en Youtube "Ward vs Sanchez" tendremos infinitas opciones para ver ese memorable knock-out luego del golpazo asestado en los costados, que fue el primer escalón al éxito para el pobre y explotado Wardy (diminutivo que se me acaba de ocurrir).

Aún así y su esquematismo y linealidad, la cinta de O. Russel nominada a ¡siete Oscars! (mundo generoso) es un puente a esa realidad. Muchos son (somos) conscientes de que quizás sin esta peli no se sabría de Ward fuera del mundo de los aficionados a ese pseudodeporte que es ver a dos brutos intercambiando trompadas discontinuas. Y muchos somos conscientes también de que O. Russel manipula esa premisa, esa verdad tan irrefutable que es la realidad, para hacer cine.

Porque The fighter será casi tan clásica como casi industrial, pero es un buen ejemplo diferenciador entre el formato cinematográfico y el televisivo. El porqué no es un mero audiovisual melodramático, y es cine, se refleja en los replays de los mejores momentos de las contiendas, en los cuales hay relatos y comentarios en off, y varias puestas de cámara al mismo tiempo (¡con televisación de HBO, ojo!) para simular ese vivo y directo que brinda la pantalla chica. Ese montaje refiere a la calidad que tiene el cine para emocionar. La manipulación de la realidad, llevada a la actuación dramática (por cierto, con un reparto sobresaliente, con Bale y Adams a la cabeza) y los efectos visuales disponibles -ralentis, planos detalle, edición de sonido, flashbacks, etc-, son una celebración de esa diferencia entre ambos formatos, o más bien ambos mundos.

Por el contrario, y como si se tratase de un monumental castillo de arena, el hecho de que Stallone ya lo haya hecho con la fotografía digital símil transmisión de tv en la lucha final de Rocky Balboa (2006) es una patada letal que derrumba ese logro tan simple pero elogioso. The fighter no innova, no aporta nada realmente plausible, pero sí emociona gracias a un elenco admirable, y nos recuerda que, aunque nos enganchemos viéndolo en el zapping en un futuro no muy lejano, su logro está en ser cine.

Winter's Bone

2011-02-23T23:04:00.000-08:00

Título: Winter's Bone

Dirección: Debra Granik

Guión: Debra Granik, Anne Rosellini y Daniel Woodrell (novela)

Género: Drama, Misterio, Thriller

Duración: 100 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010
Reparto: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Garret Dillahunt, etc.

Ree tiene pantalones

En un ambiente rural se desarrolla la desoladora historia de Winter's Bone (2010), segundo film de Debra Granik, que triunfó en Sundance con dos premios -incluyendo el Especial del Jurado-. Cuenta la historia de Ree (apabullante actuación de Jennifer Lawrence), una adolescente que vive la desaparición de su padre en el momento más complicado de su vida: cuando le toca crecer.

El film de Granik, coescrito para la pantalla con Anne Rosellini, es una historia sobre la madurez. Ree es un personaje visceral, que se cargó la familia al hombro justo cuando su padre los abandona sin dejar rastro y los deja a merced de Dios. Granik no sobresale por la labor estética, pero sí con la dirección de actores. Lawrence y un irreconocible John Hawkes se llevan por delante la pantalla, y encarnan los lazos de sangre (por fin un título bien inventado en Argentina) de una manera que llega al corazón. Su relación es inestable, y hasta bipolar, todo con un tono lisérgico pincelando el mar de fondo. Las mentiras, la violencia verbal, y física por momentos, toman protagonismo en un momento en que el in crescendo del guión ya no da más y busca estallar, como la sensible pero firme Ree.

Y es que todo pasa por Ree. Ella es la historia. Ella encarna la búsqueda por cielo y tierra de su desaparecido padre. Ella lleva las riendas de un film independiente que rebosa ternura y angustia al mismo tiempo (secuencia final), o asco y vergüenza por otra parte (el pueblo corrompido como espejo de la sociedad retorcida por los vicios y las drogas). Ree se pone los pantalones y construye el puente entre el público y una película virtuosa y fría, pero sensible al mismo tiempo.

Winter's Bone no será una novedad ni nada del otro mundo para los acostumbrados a thrillers contundentes. Pero la sangre y nervio que tiene esta historia es lo que tiene de particular. No vamos a encontrar en cualquier parte un drama familiar con tanta calidad y tanta mano dura para narrar el despojo y la soledad ante una situación desesperada como la que vive el personaje magistralmente encarnado por la joven y talentosísima Lawrence. Quizás nos remitamos a títulos recientes como The Constant Gardener (2005) para refutar esta idea, sólo que Granik no precisa un mega despliegue y nombres conocidos en cartelera para mostrar lo que quiere contar. Sólo le basta un microcosmos turbio, un personaje creíble y un poco de maleza en planos generales para hacerlo. Eso, obviando la tierna y devastadora lección de cómo crecer y sobrevivir, matando ardillas y disparando bien un rifle.

Black Swan

2011-02-21T14:37:00.000-08:00

Título: Black Swan

Dirección: Darren Aronofsky

Guión: Mark Heyman, Andres Heinz, John J. McLaughlin y Andres Heinz

Género: Drama, Misterio, Thriller

Duración: 108 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder, etc.

Los reflejos de la psiquis

Aronofsky tiene como claro factor en contra ser un realizador cuyo nombre es de más peso que sus obras. Vendría a ser el Dumont de Hollywood (salvando las distancias). Por equis motivo, películas como Pi (1998), Requiem for a dream (2000) o The wrestler (2008) han trascendido como grandes obras, y se han ganado un grupo bastante numeroso de gente aficionada a estos títulos.

Su última película, Black Swan (2010), es curiosamente interesante. Apoyada en el desenvolvimiento de su reparto, la cámara inquieta de Aronofsky 'persigue' una historia psicótica y rebuscada, con más matices que certezas y más alegorías que metáforas. Hay poca simbología y mucha subestimación al público, ese que tanto recomienda sus historias.

Natalie Portman sobreactúa, pero logra encarnarse bastante bien en su personaje, Nina, una niña-mujer reprimida que tiene el sueño de protagonizar "El Lago de los Cisnes" pero debe luchar tanto contra sus demonios como contra los que la rodean. Esta última frase suena estúpida, pero así lo plantea Aronofsky. Nina es frígida, nerd y, sobre todo, vive una extraña relación casi incestuosa con su posesiva madre (Hershey), y su alrededor está lleno de todo lo que ella no es. Es una Alicia en un país de horrores, que lentamente la irán llevando a su cometido. Cómo, eso es lo importante, y el punto más flojo de la historia.

El rol que ocupa la sexualidad en este film es llamativo. Todo el tiempo hay referencias explícitas e implícitas sobre el sexo, con la escena lésbica entre Kunis y Portman como auge. El director de Requiem... acude a la habitual psiquiatría de sus films para recuperar ciertos símbolos muy explícitos que terminan por opacar lo místico de la propuesta, aunque también se deslizan gotas de comedia en escenas como la del viejo baboso en el subte, algo que puede leerse como asqueroso y perturbador pero también como un intento fallido, devenido en una risa desubicada.

Debo reconocer que ni bien terminé de ver esta película me pareció una genialidad, pero luego de mucho tiempo para pensarla y analizarla, resolví que tiene muchos clichés y golpes de efecto excesivos, que hacen a un guión que termina siendo esquemático -sí sorpresivo, no vamos a negarlo-. La dirección es la que más me dejó indeciso: ¿el mérito es de Aronofsky o de la fotografía de Matthew Libatique? No quiero dejar que el tiempo arruine mi perspectiva de esta propuesta, pero me es inevitable. Black Swan no resulta ser un film inolvidable, pero quizás algunas revisiones cambien esa idea. ¿No es eso molesto? Un film debe defenderse por sí mismo como una pieza completa sin grietas, y Black Swan las tiene, a pesar de su solemnidad.

Sí hay que reconocer que es encantadora la dirección de arte, la atmósfera y las actuaciones de Mila Kunis y Barbara Hershey. La fotografía es todo un logro también -los espejos, una maravilla-, aunque hay muchísima ayuda del CGI -malo, por cierto-, lo cual le resta méritos (hay claros retoques en algunos fotogramas mediante ordenador). La narración es, como decía, interesante, pero nada fuera de lo común y que no se haya visto antes. Aplaudir un film como este sería demasiado condescendiente viniendo de un realizador como Aronofsky.

Black Swan es una historia muy buena, bien actuada y bien 'perseguida por la cámara' (insisto, no filmada con rigor). Hay un tipo de cine que diferencia los productos hollywoodenses del resto de la basura que allí se produce, y Aronofsky es uno de los que llevan esa bandera. Esta cinta sí es algo diferente estéticamente, pero el cine no es sólo eso. Sin embargo, la recomiendo para que ustedes también la analicen y se planteen estas cosas.

Due date

2011-02-19T21:25:00.000-08:00

Título: Due Date

Dirección: Todd Phillips

Guión: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Adam Sztykiel, Todd Phillips, Alan R. Cohen y Alan Freedland

Género: Comedia

Duración: 95 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010
Reparto: Robert Downey Jr., Zach Galifianakis, Michelle Monaghan y Jamie Foxx.

El buen sentido de la urgencia

Parece mentira que se hayan necesitado tantas cabezas para idear un film tan sencillo, pero así se hacían las cosas en los viejos tiempos. Todd Phillips se consagra con esta película como un auténtico explotador de fórmulas básicas, que con el cine las potencia para convertirlas en un gran espectáculo, digno de la talla de la era de oro de Hollywood. Timing sobresaliente, respeto en el desarrollo de los personajes, y narrativa ante todas las cosas. Bendito sea el cine; bendita sea la comedia.

Si con The hangover (2009) Phillips logró deslumbrar con una historia que mezclaba Fear and Loathing in Las Vegas (1998) con un capítulo de Los Simpsons que parodia dicho film de Terry Gilliam, ¿qué queda para una cinta que hasta juega peligrosamente con el auto-homenaje? (hay quienes incluso la tratan de versión libre de Planes, Trains & Automobiles -1987-). Due date (2010) nace y muere con la clásica redondez de un encuentro forzado entre dos seres diametralmente opuestos (Downey Jr. y Galifianakis en la dupla actoral del año), y se nutre de cánones cinematográficos para impulsar una trama insalvable, pero riquísima.

Phillips juega con fuego al idear una locura como Due date, porque no todos se bancan que una película tan básica sea tan, pero tan buena. A nadie le cae bien (nadie, siempre intentando despersonalizar a aquellos que no tengan pudor al disfrutar algo que hace reír) que una fórmula ultra-clásica como la dirección del realizador de la ganadora del Golden Globe 2009 a Mejor Comedia llegue tan bien a los espectadores (la sala con la que compartí la proyección no paró de estallar en risotadas descontroladas en cada una de las secuencias ideadas para ese fin). ¿Y saben qué? Está bien. No importa, porque yo no voy a escatimar al decir que Due Date es, sino la mejor, una de las mejores comedias de la temporada.

Insistía con el timing porque la película goza de un ritmo asombrosamente pegadizo. Cada secuencia, cada escena, cada golpe de efecto, es como una droga para el espectador. Y es una droga casi mortal, que Phillips -apoyado en los maravillosos aportes de sus protagonistas- utiliza sin reparos para no dar respiro ni un segundo: cuando termina un gag implícito (las insinuaciones sobre infidelidad), arremete con otro (la ácida y negrísima escena del "café" que se toman los muchachos), y no contento con eso, nos da un zarpazo de dramatismo (la penosa situación del personaje de Galifianakis). Y así hasta el final.

Puede pecar de grotesca (chistes físicos como reventarse contra una puerta de auto y sacarla de los goznes), puede pecar de exagerada (innecesario el acto en la frontera mexicana), pero es una historia que está muy bien equilibrada (la escena en el Gran Cañón, impagable). Due Date hace reír y nos hace pensar que, es cierto, la comedia americana pasa por tiempos muy difíciles, aunque siempre sabe como quedar bien parada. Lo último de Phillips no aporta nada al género, no brinda novedades. Al contrario, se reinventa una y otra vez con alusiones a su pasado filmográfico (por cierto, que técnicamente va mejorando) y así se concibe como un disfrute que sólo los que estén despiertos y sobrios de vieja usanza podrán esquivar. El resto, atrapados por la risa y la prisa.

Tangled

2011-02-18T14:30:00.000-08:00

Título: Tangled

Dirección: Nathan Greno, Byron Howard

Guión: Dan Fogelman, Jacob Grimm (cuento) y Wilhelm Grimm (cuento)

Género: Animación, Comedia, Aventura

Duración: 100 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto (voces): Mandy Moore, Zachary Levi, Donna Murphy, Ron Perlman, etc.

Con un brillante guión de Dan Fogelman, adaptado del famoso cuenta de hadas, Disney lo vuelve a hacer reinventando una historia clásica para hacerla propia, haciendo personajes creíbles y generando musicales preciosos, a la vieja usanza pero con tecnología súper actual.

El trabajo de efectos especiales de esta cinta animada no es para pasar por alto. Hay una labor sensacional en la profundidad de campo, los encuadres y los "movimientos de cámara" (el travelling en gran plano general del puente, por ejemplo) que denostan muchísimo profesionalismo, sobre todo tratándose de una animación no-Pixar. Tangled (2010) no tiene nada que envidiarle a las demás cintas de éste tipo que se estrenaron en la temporada.

Además, y como viene sucediendo con las últimas propuestas animadas de Disney, se nota mucha madurez al encarar el proyecto, apuntando al seno familiar y cuidando los mensajes para los más pequeños. Todas las decisiones tomadas por los realizadores -que van desde el título (que no es simplemente "Rapunzel") hasta la fotografía- son un indicador de los tiempos que corren en la empresa de Don Walt.

Nada más que decir. Un film muy disfrutable, muy bien musicalizado -con la emotiva escena del bote y la canción "I see the light" como cumbre absoluta- y dirigido, que gustará a grandes y niños por igual.

Por tu culpa

2011-02-16T04:36:00.000-08:00

Título: Por tu culpa

Dirección: Anahí Berneri

Guión: Sergio Wolf y Anahí Berneri

Género: Drama familiar

Duración: 87 minutos

Orígen: Argentina, Francia

Año: 2010

Reparto: Erica Rivas, Nicasio Galán, Zenón Galán, etc.

La guardia eterna

El cine de Berneri (que con esta suma cuatro largos en su haber) se torna intimista y realista cuando se trata de acompañar discretamente con la cámara a Julieta (Erica Rivas). La cámara reposa, pasiva, en un costado mientras la protagonista intenta trabajar, y de fondo se escucha a sus hijos pelear, discutir, y portarse mal, secuencia que dura unos ocho minutos más o menos. Con este ejemplo se ilustra casi todo Por tu culpa (2010), drama familiar que retrata la noche de una madre de clase media-alta que intenta no explotar cuando todo se desborda por un descuido con sus hijos.

Pero, como decíamos, lo más rescatable de este film es su dirección. Berneri nos convierte en un testigo que, como si fuera de paso, descubre de soslayo la historia de Julieta. El personaje encarnado por Rivas debe lidiar con dos hijos inquietos (en fin, son sólo criaturitas de Dios) que no la respetan y viven el momento de crisis del matrimonio de la familia. Todo eso, potenciado cuando nos trasladamos a la segunda de las cuatro locaciones que tiene la película, un hospital.

El tiempo casi real que maneja Berneri, logrado con un muy buen trabajo de montaje, se desmorona con la poca profundidad en el desarrollo de los personajes, así como cierta dejadez en la profundidad de la historia a contar. Todo es muy burocrático. Tanto, que si queremos saber qué siente Julieta nos tenemos que sentar un rato en la sala de espera de una guardia, y no necesitamos ver Por tu culpa. Y ése es el mayor defecto de la técnicamente excelente película de Berneri: es innecesaria. Se queda a mitad de camino como una historia más de tantas que viven las madres de una sociedad con un ritmo vertiginoso (como el que supone y proponen Wolf y Berneri con su guión), obligaciones laborales y complejidades horarias. Es decir, como cine quizás cumple, pero como un todo deja bastante que desear.

Machete

2011-02-15T22:02:00.000-08:00

Título: Machete

Dirección: Robert Rodriguez y Ethan Maniquis

Guión: Robert Rodriguez y Álvaro Rodríguez

Género: Acción, Comedia, Crimen

Duración: 105 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Danny Trejo, Michelle Rodriguez, Jessica Alba, Robert De Niro, Lindsay Lohan, Steven Seagal, etc.

You've got to be kidding me...

(Atención: con Spoilers)

Machete (2010) nace de un falso trailer de Grindhouse (2007), con el que Robert Rodriguez intentó inventar un héroe latino a la vez que homenajeaba al cine Clase B. La película es un chiste en sí mismo, pero su triunfo radica en si logra llegar al espectador o no con dicha finalidad.

Es difícil digerir un film tan petético como Machete. La camada de producciones del estilo tarantinescas, que uno no sabe si van en serio o son producto de alguna deficiencia mental del realizador, de por sí son difíciles de digerir, y para complicar más el asunto llega esta película demasiado estadounidense, con una mirada demasiado xenofóbica, testosterónica y pochoclera, que sólo divertirá a los aficionados de Rodriguez y sus producciones 'sanguinarias-porque-sí' (con la cálida y refrescante excepción de Sin City).

Como decíamos, la cinta es un chiste. Es como si los realizadores se divirtieran haciendo el film, logrando que de rebote los receptores se contagien con eso. De por sí, ver a Danny Trejo mostrando los dientes cada vez que está enojado es patéticamente chistoso, así como ver a Michelle Rodriguez con un parche en el ojo o Robert De Niro corriendo como embolsado para escapar de un tiroteo. Eso, sin contar los desnudos gratuitos, la escena de sexo en la piscina y todas las escenas en que Lindsay Lohan se ríe de su drogadicción.

En definitiva, un gran chiste contado con clase... B. Hay mucho humor negro, bizarre, violencia extrema y una absoluta y anticipada carencia de porte cinematográfico. Todo está hecho para el deleite de los aficionados. Daba igual si Machete se hacía en VHS, con una camarita digital o lo que sea... el (des)propósito era ser ingenioso, respetar el estilo, y hacerlo bien. Y, mal que nos pese a los que buscamos un poco de juicio entre tanta fantochada, eso se logra con creces, a tal punto de que uno disfruta (en el tarantinesco e inocente sentido de la palabra) viendo a Machete matar, mientras soltamos incontables carcajadas en el proceso.

Paranormal Activity 2

2011-02-15T18:28:00.000-08:00

Título: Paranormal Activity 2

Dirección: Tod Williams

Guión: Michael R. Perry, Christopher B. Landon, Tom Pabst, Michael R. Perry y Oren Peli

Género: Horror, Misterio, Thriller

Duración: 91 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Katie Featherston, Micah Sloat y Molly Ephraim

Innecesaria y forzada secuela, o lo que sea que es

(Atención: hay spoilers sobre la primera parte y esta segunda)

El concepto de "producto bien vendido" se definía casi en su totalidad con la propuesta de Paranormal Activity (2007), la cual fue promocionada como una obra maestra -no lo fue y nunca lo será- que nos dejaría a todos pata pa'rriba y temblando del miedo. No fue tan así, pero lo cierto es que fue la película más rentable de la historia del cine luego de una temporada gloriosa en la taquilla, incluso entregando un film convincente y entretenido para su género.
No obstante, esta entrega que funcionaría como una suerte de paralelismo a la historia ocurrida en la primera parte no aporta nada ni siquiera básico a lo que la original logró. De hecho, hasta parece forzado (ni hablar del final patético que tiene).

Quizás lo que más le jugó en contra a esta pseudo franquicia es que la primera parte tuvo muchos finales alternativos, en base al público al que estaba dirigido. Eso hizo que, por ejemplo, aquel que vio Paranormal Activity en un festival del 2007 al 2009 no entienda qué demonios hace la protagonista de esta primera en el final de la segunda parte (en la versión original la policía mata a Katie, en la comercial, no).

En definitiva, Paranormal Activity 2 (2010) es como una mezcla del concepto de la primera entrega con algunos matices nuevos como el fuera de campo, extraídos de propuestas más justas como [·REC] (2007) y así sucesivamente. En fin, un disparate clicheado a más no poder que trastabilla por culpa de la indecisión en la presentación inicial y que no es creíble ni siquiera un poco (esta vez sólo pusieron lo de los "datos obtenidos gracias a la policía" como un mero cumplido al formato, e incluso hay secuencias eliminadas que sólo están en los trailers).

No vale la pena verla, ya que no asusta, no entretiene, no aporta nada de nada, salvo algún que otro silencio intimidatorio que dure unos segundos.

Püha Tõnu kiusamine / La tentación de San Tony

2011-02-12T09:35:00.000-08:00

Título: Püha Tõnu kiusamine

Dirección: Veiko Õunpuu

Guión: Veiko Õunpuu

Género: Drama, Misterio, Fantasía

Duración: 110 minutos

Orígen: Estonia, Finlandia, Suecia

Año: 2009

Reparto: Taavi Eelmaa, Ravshana Kurkov, Tiina Tauraite, etc.

Autodescubrimiento surrealista

Estonia envió como candidata a los Oscar esta cinta de corte surrealista y bizarro, algo que de entrada se sabía que le cerraría las puertas ante las cuadradas cabezas de los académicos hollywoodenses. Püha Tõnu kiusamine (2009) goza de un guión muy interesante, que va cobrando fuerza simbólica a medida que avanza el metraje.

Ese in crescendo explota con un final emotivo (si cabe el término), con la exploración del espíritu humano y sus maldades como premisa central. Todo, soportado por la interpretación Taavi Eelmaa, quien lo hace muy bien. El personaje principal, Tony (Eelmaa), vive la congoja de una "bondad" y tranquilidad excesiva, en un mundo caótico como el que lo rodea, con una sociedad turbulenta, una justicia corrupta y un sentido de la religiosidad que más que espiritual roza lo místico.

Fotografiada en blanco y negro por Mart Taniel, la cinta no posee esquematismo en su proceder y se apoya en la imagen de un cine experimental pero casi primitivo, apoyado en planos-secuencia que se alternan con algunos cortes que engloban una dirección un tanto extraña e indecisa.

Püha Tõnu kiusamine (La tentación de San Tony en castellano) no es pretensiosa pero sí pasea por un excéntrico pastiche de imágenes con cierto peso icónico para ilustrar una historia que de antemano se muestra atractiva a los ojos y las mentes de aquellos que estén intentando escapar hacia un cine más experimental y menos cuadrado.

Millenium 1: los hombres que no amaban a las mujeres

2011-02-11T09:10:00.000-08:00

Título: Män som hatar kvinnor

Dirección: Niels Arden Oplev

Guión: Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg y Stieg Larsson (novela)

Género: Crimen, Drama, Misterio

Duración: 152 minutos

Orígen: Suecia, Dinamarca, Alemania, Noruega

Año: 2009

Reparto: Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Ewa Fröling, etc.

Esa mujer me hace sufrir...

La trilogía de Millenium comienza con esta primera entrega, Los hombres que no amaban a las mujeres. Adaptada de la denominada como obra maestra literaria de Stieg Larsson, y dirigida casi en piloto automático por Niels Arden Oplev, la película logra cautivar por dos condimentos: las odas al film noir y la descomunal actuación de Noomi Rapace, quien se entrega en cuerpo y alma a su personaje, la intrépida hacker Lisbeth Salander.

Partiendo de una base policial, la historia intenta abarcar ciertos temas propios de la época de las guerras mundiales, o teñir de cultura nórdica una trama que lamentablemente será copiada (porque, en definitiva, eso es una remake) en los cada vez menos originales estudios de Hollywood de la manera más fincheriana posible: dirigida por David Fincher.

Pero volviendo a los méritos de una historia cautivadora como Millenium 1... (2009), hay que destacar también lo bien logrado que está el producto técnicamente, en especial desde el apartado sonoro (partitura, montaje de sonido y sonidos ambiente), haciendo de la manipulación de la información un recurso narrativo harto usado por otros autores -más ligados a lo literario, por supuesto- pero bien logrado aquí. La dirección de arte es otro factor a favor, ya que la ambientación y la puesta en escena se nota que están cuidadas y bien preparadas, no así tanto el aspecto fotográfico o la ya mencionada dirección general.

El reparto está muy bien, pero Rapace se devora la pantalla. En sí, Los hombres... es un film que se apoya tanto en su personaje protagónico que termina diluyendo la idea general a fin de enaltecer el peso icónico del mismo. La historia es muy interesante, y su desenlace también, pero la construcción está pensada para el desarrollo psicológico de Salander y la continuidad de una trama que se dará en episodios y escapándole como pueda al telefilm. Las secuelas, con títulos más largos que llamativos, decidirán hacia dónde desemboca todo.

Scott Pilgrim vs the world

2011-02-09T09:37:00.000-08:00

Título: Scott Pilgrim vs the world

Dirección: Edgar Wright

Guión: Michael Bacall, Edgar Wright y Bryan Lee O'Malley (novela gráfica)

Género: Acción, Comedia, Fantasía

Duración: 112 minutos

Orígen: Estados Unidos, Reino Unido, Canadá

Año: 2010

Reparto: Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Kieran Culkin, Chris Evans, Anna Kendrick, Jason Schwartzman, etc.

De timing, explosión semiótica y flashback en formato cómic

Ya son muchísimas las películas que abordan historias salidas de cómics, y Scott Pilgrim vs the world (2010) no intenta ser la excepción. Sino al contrario, aborda la temática de la novela gráfica de Bryan Lee O'Malley en Oni Press con mucho ruido icónico, pastiche narrativo, pero principalmente mucha fidelidad al formato original, sobre todo en aquellas escenas en que Ramona Flowers (interpretada por la sensual Mary Elizabeth Winstead) rememora sus viejas historias con los exes que ahora le hacen la vida imposible a Scott Pilgrim (Michael Cera, desopilante en su papel).

El film de Edgar Wright cuenta con un timing asombroso, basado en un montaje que no reserva palabras para describir su calidad. La edición en Scott Pilgrim... lo es todo. Sin ella no sería el boom cinematográfico que fue en su país, logrando muy buena recepción de la crítica.

El aire jovial, sumado a la penosa historia del protagonista, intercalada con una serie de gags muy bien puestos (siempre resguardados en el timing), como cuando Scott se detiene a atarse los cordones de la zapatilla, son todos puntos a favor de una peli que para muchos será infantil, cursi, ñoña, y sobre todo muy videogamer. Porque si hay algo que explota el film es la cultura del video juego, con un guión escalonado, segmentado pero nunca unificado. Además no falta el homenaje al neopunk, las tendencias de tipo dark, gótico y hasta otaku.

Scott Pilgrim vs the world es un estallido semiótico, un recital de luces y sonidos rimbombantes que son un buen aliciente para pasar un buen rato, aunque queda a consideración de cada uno si vale la pena soportar ciertas secuencias tan ñoñas como el musical del primer ex, o las sobreactuaciones de Chris Evans y Jason Schwartzman. Dicen que sobre gustos no hay nada escrito... pero sí de formas.

Devil

2011-02-08T14:01:00.000-08:00

Título: Devil

Dirección: John Erick Dowdle

Guión: Brian Nelson y M. Night Shyamalan (historia)

Género: Misterio, Horror, Thriller

Duración: 80 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Chris Messina, Logan Marshall-Green, Bojana Novakovic, Bokeem Woodbine, etc.

¿A qué infierno va?

Shyamalan nos entrega una historia muy interesante, que nada tiene que ver con lo que él viene dirigiendo (nota: servidor aún no vio The Last Airbender (2010), pero se está armando de valor para hacerlo). Devil se trata de esas películas que, revestidas de una trama de terror, intentan abordar el subgénero demoníaco con una intención más que palpable hacia el final, pero que por obvios motivos no revelaremos.

Si hace poco hablábamos de Buried (2010) y su propuesta claustrofóbica, ahora el montaje paralelo cobra importancia para que el espectador viva la adrenalina de otra forma, con esa mirada omnisciente que el film de Cortés no brindaba, lo cual no está mal, sólo son exposiciones diferentes a la hora de contar la historia.

Con una labor aceptable de los actores, más un frenesí en el desarrollo de la historia, el film resulta agradable, aunque tenga algunas cosas bastante agarradas de los pelos, como el círculo que se cierra cuando los personajes se empiezan a dar cuenta que tienen cosas en común (bien a lo Final Destination o Saw). Hay clima, hay tintes de comedia muy propios del realizador hindú, y hay momentos de auténtico suspense como los que alguna vez supo lograr con The Sixth Sense (1999).

Devil tiene los condimentos para un buen rato, aunque no sea una propuesta demasiado atractiva -es incluso algo trillada, si se quiere-, y no pase de una remontada en la filmografía de Shyamalan.

Buried

2011-02-08T13:30:00.000-08:00

Título: Buried

Dirección: Rodrigo Cortés

Guión: Chris Sparling

Género: Misterio, Drama, Thriller

Duración: 95 minutos

Orígen: España, Estados Unidos, Francia

Año: 2010

Reparto: Ryan Reynolds, más voces de otros actores.

Adrenalina underground

El cine abre espacio a muchas posibilidades en cuanto a la forma de contar una historia. El original y espeluznante caso de Buried (2010) es sin duda uno de los últimos manifiestos de esto. Sinecdoque, un actor, una sola escenografía y un montaje de sonido asombroso basta para que la propuesta sea llamativa, si a eso le sumamos una trama que nos invita a estar encerrados en tiempo (casi) real con el protagonista.

Éste último es nada más y nada menos que Ryan Reynolds, quien solito acarrea la historia, olvidándose por completo que lo suyo es la comedia americana industrial. El drama, la expectativa y la adrenalina que le imprime Reynolds a su actuación es algo formidable: no necesita de nada más que de un sólido apoyo en diálogos -verosímiles- para captar la atención.

Muchos se sentirán incómodos viéndola, otros quedarán cautivados. Lo cierto es que Buried difícilmente deje indiferente al espectador, justo en tiempos en que la dirección artística está recobrando importancia, pero de la mano del CGI. La puesta en escena es sensacional; el montaje, deslumbrante; la atmósfera, correcta (a veces el guión precisa de ganchos como una serpiente que se inmiscuye en el cajón, o tildes cómico-absurdos para mantenerse a flote); pero lo que más sorprende es la dirección.

Le damos un párrafo aparte porque la sensación que quedó es algo rara. Faltó rigor, quizás. Hay algunos planos ficticios que sobran (como ese enorme zoom out que hace, en un buen intento, de disparador psicológico entre personaje y platea), o inclusive hay un momento en que se llega a notar la escenografía... fatal error, o gazapo, como le dicen los españoles. Así que, Cortés, más cuidado para la próxiima.
Pero difícilmente haya próxima. Buried es una experiencia irrepetible. Muy atractiva y meritoria. Una película que puede dejar los pelos de punta así como también puede llegar a exasperar a todo aquel que carezca de paciencia... y ni hablar si detestan los finales sorprendentes.

The Town

2011-01-10T21:25:00.000-08:00

Título: The Town

Dirección: Ben Affleck

Guión: Peter Craig, Ben Affleck, Aaron Stockard y Chuck Hogan (novela)

Género: Crimen, Drama, Thriller

Duración: 125 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Ben Affleck, Rebecca Hall, Jon Hamm, Jeremy Renner, Blake Lively, Pete Postlethwaite, Chris Cooper, etc.

La redención del captor

Ben Affleck ya había sorprendido con su ópera prima como director, Gone Baby Gone (2007), y con ella se convertía en uno de los realizadores más prometedores de la década. Ahora con su nuevo film, The Town (2010), reafirma su seguridad detrás de cámara, una clara tendencia al hiperrealismo, y ante todo, su condición de cineasta con intención de mostrar la mugre que se guarda bajo el sofá.

Si bien pasea por lugares comúnes, la película intenta salirse de lo convencional para contar una historia que como trasfondo tiene los finos trazos de un paisaje urbano manchado por la delincuencia, la corrupción y el desasosiego de los habitantes de esa ciudad que, lejos de buscar partir, intentan hacer de su vida lo menos miserable posible. Y aquí no se habla de miseria en términos económicos, sino de seguridad en tanto despliegue policial y conflicto de instituciones.

Affleck, además de entregar una actuación formidable y sensible como plus a su gran trabajo detrás de cámara y escribiendo el guión, logra amalgamar dos universos totalmente opuestos como lo son el crimen y la guerra interna en la búsqueda de un futuro mejor. El personaje Doug McRay expresa eso: indecisión pero pasión, convicción y sensatez en el trabajo sucio, y una dicotomía existencial mezclada por el inexplicable amor que siente por la víctima de uno de sus atracos a un banco de la ciudad. Dicha amada está interpretada bellísimamente por Rebecca Hall, cuyo personaje es presa fácil de un síndrome de Estocolmo involuntario. La secuencia inicial, que finaliza con la secuestrada caminando hacia el mar: impagable.

Hay que hacer hincapié en la velocidad de la historia, su timing, objeto loable que Affleck y sus co-guionistas lograron con éxito para reducir el melodrama (que lo hay, para qué negarlo) y aumentar la tensión de la historia, para dar más lugar al thriller policial que al drama romántico entre ladrón y doncella engañada. No obstante, a pesar de esa decisión que se puede palpar en el frenesí del metraje, hay una poesía en las secuencias de The Town que la hacen única. Un nuevo acierto en la jóven (y ojalá prolífica y extensa) filmografía del que alguna vez fue abucheado por un público que hasta hoy día no soporta sus actuaciones a fines de los '90 y principios de los '2000.

The Town es una historia sobre la redención, sobre los cambios, sobre las decisiones en la vida. El papel que encarnan exquisitamente tanto Jeremy Renner como Blake Lively en sus respectivos papeles son claves para el desenvolvimiento de estas premisas que se pueden captar, así como también el sutil pero imponente aporte de Chris Cooper como el padre del personaje de Affleck.

El director de Gone Baby Gone dejó un poco de lado el noir para apostar un poco más a un público general, con una historia que puede conmover tanto a los amantes de los tiros (la secuencia de la persecución automovilística en los suburbios es muy buena) como a los paladares que gustan por las historias algo trilladitas pero bien contadas (cabe que convenir que el desenlace deja muchísimo que desear). The Town, lo nuevo de Affleck, se muestra intensa, frenética, sensible y cruel, más no tan profundamente realista como su predecesora. Oh, sí... el dire va por buen camino...

The social network

2010-12-31T00:54:00.000-08:00

Título: The social network

Dirección: David Fincher

Guión: Aaron Sorkin y Ben Mezrich (libro)

Género: Biografía, Drama, Historia

Duración: 120 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Jesse Eisenberg, Rooney Mara, Andrew Garfield, Justin Timberlake, etc.

Oportunismo virtuoso

El fenómeno Facebook se ha apoderado de las masas en cualquier rincón del universo, y toda esa vorágine le da un rédito a un señorito que la pensó bien y sacó provecho. Tal es el caso de Mark Zuckerberg, el creador de la red social más utilizada en estos días (y el billonario más joven del mundo). ¿Qué hizo, básicamente, este tal Zuckerberg? Tal parece que "robó" una idea (no se sabe a ciencia cierta) de unos colegas en Harvard, y con esto fue tomando distintas cosas de las redes sociales ya en uso (My Space, Fotolog, Youtube, etc), para llevarlas todas a un sólo lugar así los cómodos usuarios no tendrían que hacer el único ejercicio corporal que les quedaba frente a la pc: mover el mouse con el brazo y la mano.

Por otra parte tenemos a David Fincher, un inteligente director que supo deleitarnos con opus como Se7en (1995), Fight Club (1999), Zodiac (2007) y el reciente The curious case of Benjamin Button (2008). ¿Qué hizo, básicamente, este tal Fincher? Tomó la idea de un libro que resumía la interesante historia de cómo se gestó la ya mencionada red social, algo que -sin faltarle el respeto al director- lo pudo haber hecho cualquiera.

¿Qué hay en común entre Fincher y Zuckerberg? Que ambos sacaron provecho de una idea que la pudo tener cualquiera. ¿Qué tienen en común Fincher y Zuckerberg? Que sólo a ellos les podía salir tan bien.
En resumen, ¿Qué hay en común entre Fincher y Zuckerberg? The social network (2010), una película gélida, rigurosa y virtuosa por donde se la mire, que ilustra radiográficamente no sólo la historia de cómo se formó el Facebook, sino cómo éste llegó como objeto definitivo de la necesidad de comunicación de una sociedad hambrienta de cruzar fronteras, límites y retroalimentar una globalización despiadadamente productiva.

Todo eso logrado con matices infinitos, que van desde una dirección magistral, una banda sonora excelente, fotografía bellísima y, principalmente, un reparto que lleva la trama más allá del cine y hace que la pantalla sea una ventana que, mediante la fuerza de un guión cargado de elocuencia, la teletransporte al mundo del documental. Porque The social network, de haber sido un documental, hubiera sido un bodrio con mayúsculas. Pero no, Fincher le dio su toque de director que sabe lo que quiere y logró una película hecha y derecha.

The social network es un film hecho con rigor. El sentido categórico de la expresión de sus actores nos remonta al más sofisticado de los dramaturgos del teatro realista de principios del Siglo XX. Y en esto Jesse Eisenberg (sí, el muchacho que competía con Michael Cera por quién le pone más cara de nada a un personaje) se lleva todos los laureles. La frialdad con la que éste interpreta a Mark Zuckerberg es tal que divaga sola por el sendero más sencillo a la emotividad. Eisenberg hace del billonario más joven del mundo un hombre común, así como Fincher hace de la historia de Facebook una dulce anécdota universitaria, casi como una travesura que se fue de las manos y pasa de comedia juvenil a thriller judicial. Pasaje turbio del que el director de The Game (1997) y Panic Room (2002) sabe cómo caer bien parado.

A la calidad del reparto agrégenle la frescura y credibilidad en los papeles secundarios de Andrew Garfield y Justin Timberlake, éste último interpretando al avispado creador de Napster. Ambos, junto con el resto de los actores -la mayoría muy correctos en sus interpretaciones- cierran un círculo casi perfecto que recrea la historia tal y como pareciera que fue (aunque el propio Zuckerberg haya salido a poner en tela de juicio esto último).

Si bien todo esto no hace más que ensalzar la película, cabe advertir que no a todos les podrá llegar una historia con tantas contrariedades y jaques a principios, así como tampoco el ritmo tan austero del que goza. The social network es un film violento con el espectador: remata la premisa en la retina y el cerebro con la misma facilidad con que el Facebook se metió en el imaginario social de esta generación. Difícil escapar de las garras de un mecanismo comunicacional tan tramposa y efectivamente pensado, así como también es difícil no quedar agradecido con Fincher por esta pieza de oportunismo virtuoso llevado al celuloide.

Críticas de "Lula...", "Paco...", "Rompecabezas" y "Saw 7"

2010-12-18T18:00:00.000-08:00

Esta semana traemos, a modo de regreso, cuatro títulos interesantes que, salvando el último, son todos de los pagos sudamericanos. Desde la candidata de Brasil al Oscar, pasando por una pinturita franco-argentina que gustó en Berlinale, un bodrio maquillado sobre la droga que "extermina" a la clase baja (pero contado para el gusto de la masa, olvídense de un documental bien preparado y con respeto al tema), y finalmente, el final (valga la redundancia) de una saga que ya le estaba empezando a pisar los talones a la franquicia de Jason, sólo que con el doble de hemoglobina.
Haciendo clic en las imágenes de los pósters de cada película pueden acceder a los artículos con las correspondientes reseñas. Buen fin de semana para todos.

Saw 7

2010-12-18T13:03:00.000-08:00

Título: Saw 3D

Dirección: Kevin Greutert

Guión: Patrick Melton y Marcus Dunstan

Género: Crimen, Horror, Misterio

Duración: 90 minutos

Orígen: Canadá, Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Tobin Bell, Costas Mandylor, Betsy Russell, Cary Elwes, etc.

El círculo se cerró

Finalmente llega a su fin una historia que venía cansando a más de uno, pero que los que nos hicimos adeptos logramos quedar cautivados con una trama que se abrió en ramificaciones y secuelas que no hacían más que seguir manchando de hemoglobina una pantalla que ahora encima se prestó al formato 3D.

Saw 7, o Saw 3D, se sigue inscribiendo en el género de thriller o policial ya alejado de aquel 'horror' que fue ver esa genialidad de la primera parte. Y de ésta se vale mucho esta última secuela, pero no vamos a contar nada.

Lo cierto es que muchos se quejaron de la vuelta de tuerca final, que era muy predecible, pero la verdad que resulta curioso como la mayoría de los que dicen eso son los sinvida que se la pasan ideando finales para sus ídolos en pseudo-foros. Una vez dicho esto, queda aceptar que si bien se podía imaginar que las cosas sucederían así, resultó gratificante que ese "círculo" al que hacían referencia en Saw 6 se haya cerrado tan perfectamente, sin dejar ningún cabo suelto.

Ahora, no vamos a tocar la cuestión ética que muchos huecos aluden, ya que sabemos de lo que estamos hablando y sabemos a qué estamos entrando cuando compramos la entrada para un film de horror y sangre agranel como lo es la saga de Jigsaw y sus trampitas macabras. Por cierto, este último se ha vuelto un personaje clásico, que nada tiene que envidiarle a Hannibal, Freddy, Jason, Scream, etc.

En cuanto a la cuestión ética que mencionamos, cabe remarcar que el final de la historia es una bofetada a ese estilo de mostrar los "juegos": el juego final, el definitivo, resulta el más macabro, doloroso y tortuoso de todos en la saga entera... y no corre ni correrá una sola gota de sangre por ello. Un cierre a la altura, que significa la decisión estética y moral de una franquicia que se metió en la retina de todos desde aquel doctor que se cortó la pierna para ser libre. Saw siempre se prestará a esa confusa e incómoda reflexión sobre los valores que defiende el villano moralista: apreciar la vida, aún si eso implica la muerte.

El final de la saga de Saw resulta satisfactorio, si cabe esa expresión entre tanto sufrimiento de los personajes (siempre, tenganlo en cuenta aquellos adictos al realismo como si este fuera el único cine legitimado, dentro de la FICCIÓN). Los guionistas lograron cubrir las expectativas, y ahora dejan en el recuerdo (y las cuentas bancarias) un legado de cine tipo clase B que logró atraer aficionados y dar esos buenos momentos que el terror como género supo dar en sus buenas épocas.

Rompecabezas

2010-12-18T12:34:00.000-08:00

Título: Rompecabezas

Dirección: Natalia Smirnoff

Guión: Natalia Smirnoff

Género: Drama

Duración: 87 minutos

Orígen: Argentina, Francia

Año: 2010

Reparto: María Onetto, Arturo Goetz, Gabriel Goity

Armando la vida

Una costumbre tan atractiva como lo es armar rompecabezas no dejó a nadie indiferente alguna vez en la vida. Tal es el caso de María del Carmen (genial, María Onetto), quien desarrolla un extraño hobbie con este juego y logra hacer un dúo con Roberto (también muy bien, Arturo Goetz), lo cual -contra todos los pronósticos- cambiará su vida, más allá de su marido (otro que lo hace bien, Gabriel Goity), sus hijos y su rol como ama de casa.

Vale la pena reconstruir una especie de storyline para esta peli porque no todos lograron dar con ella, y realmente hay que ver este mapa de costumbres porteñas, tan de barrio, que se entrecruzan con los poco habituales rincones de una ciudad que se descubre así misma sólo porque, como dijo Le Corbusier en su venida, "le dan la espalda" a su espejo mayor, el Río de la Plata.

Rompecabezas, ópera prima de Natalia Smirnoff que fue recibida cálidamente en Berlinale, es un relato costumbrista, con paisajes de ciudad intimistas y una construcción de los personajes que hacen a uno recordar que todavía existe el cine de las cuatro paredes, ese cine concebido de la experiencia del teatro que Woody Allen reivindica con su fría pero genial reciente filmografía.

La cámara en mano de Smirnoff con los planos cortos, y esa fotografía tan cuidada, hacen que uno se sienta parte de una historia que se abre camino paulatinamente mientras marca un ritmo parsimonioso y bello, que se contrasta con la familia tan ruidosa que se presenta en la gloriosa introducción con la fiesta de cumpleaños. Así también lo vive la protagonista, que un día se encuentra armando su vida (todo un símbolo obvio pero acertado por parte de la realizadora) y dándose cuenta que el amor está hecho en piezas y la enseñanza familiar se costruye también desde afuera y no sólo con lo que se mama en el hogar.

Los mails, los celulares, estos medios se intentan colar en una historia casi figurativa y anacrónica, que de no ser por estos indicios estaría estancada en circunstancias de tiempo y espacio bastante ambiguas, y por ende confusas. Pero no, Smirnoff introduce estos detalles también en situaciones de crisis matrimonial, haciendo referencia a la globalización y las costumbres con unos contrastes admirablemente concebidos.

El ritmo puede que sea aletargado, lo cual alejará a algunos, pero no por eso hay que ignorar una cinta que se vale por una mirada muy "de acá". Ahora, otra cuestión es lo llamativo que resulta el tratamiento tan femenino del film. Rompecabezas es eso, un film femenino. De hecho, el 70% del equipo de trabajo está conformado por mujeres, lo cual reafirma esto que apuntamos.

Si bien tendrá sus ratos de decaimiento en la trama, y puede que una vez más nuestro cine muestre señales de que no se dejará de aferrar nunca al costumbrismo, Rompecabezas es una película que no hay que dejar de ver por su tratamiento estético, su mirada y su reflexión final, cuando la vida se muestra como un círculo que siempre busca cerrarse, nos guste o no.

Paco, la punta del iceberg

2010-12-18T12:01:00.000-08:00

Título: Paco, la punta del iceberg

Dirección: Diego Rafecas

Guión: Diego Rafecas

Género: Drama

Duración: 128 minutos

Orígen: Argentina

Año: 2010

Reparto: Tomás Fonzi, Norma Aleandro, Esther Goris, Romina Ricci, Luis Luque, Sofia Gala, etc.

Exterminio de un mensaje

Esta película la ví en el marco del "24 hs de cine" de la Biblioteca Popular de Posadas. Debo decir que quedé impresionado por el impacto que logró en la gente una película tan manipuladora y tan maniqueísta como ésta.

Cuenta la historia de un grupo de rehabilitación de drog... de paco. Para los lectores de otros países, el paco es la droga con la que se mata en Argentina a la clase baja, producto de un sistema que banca el narcotráfico y que vende incluso lo que se rasca de las ollas de las cocinas de cocaína. Así es este país. OK, hasta acá todo bien (o no), pero algunos alegan que esta peli no es de las que se puedan criticar porque tiene un intento de concientización como el que hay en su mensaje (si me permiten, tan soso). Pero lo cierto es que muchos críticos especializados apuntan -con fundamentos- que como es una ficción (mal hecha encima) y no un documental (lo que hubiese sido ideal teniendo en cuenta que el director fue víctima de las drogas en su juventud y tenía miles de testimonios en los que apoyarse), hay una decisión estética, por lo tanto, dispuesta a devoluciones.

Pasando a la trama en sí de Paco..., cabe aclarar que hay una cosa que no se le puede retrucar, y es la banda sonora, compuesta por Babasónicos, Pity Alvarez y otras bandas del rock argentino que se prestaron a musicalizar este intento de melodrama social.
Ahora, lo que se cuenta, para atrás. Primero que nada, la selección de actores tan pop (sin contar, por supuesto, a LA actriz que es Norma Aleando) fue uno de los errores principales que se cometieron para encarar semejante compuesto de historias cruzadas que realmente poco tienen que ver con lo que se suele leer en los diarios y demás medios de "comunicación" argentinos (lo cual también tiene su grado de baja credibilidad, pero así de vendados vivimos en este hermoso país) acerca del tema.

Los realizadores la pensaron bien cuando decidieron contarlo de una manera tan hollywoodense, con explosiones, avasallamiento de flashbacks -insoportables-, y un ritmo melodramático realmente admirable. Pero las cosas no se hacen así: eso es engañar al público. Y con esto remarcamos en la totalmente inverosímil historia del hijo de la senadora, con narcotráfico intercontinental incluído (¿llevamos el paco a África? ¿símbolo de igualdad de condiciones socio-económicas? ¿intento banal de burlar al sistema de seguridad y prevención del narcotráfico?), o la conversación telefónica entre dos senadores contando que se puede combatir el narcotráfico pero "bajando a uno estás haciendo que aparezcan otros" y una sucesión de estúpidas reflexiones pensadas para estúpidos (más bien, subestimando al espectador, lo cual es más insultante) que serían como sacar la mano por la pantalla y pegar con moco la idea en la frente del que se sentó en la sala a ver el film.

Es larga, muy larga, lo cual es otro ítem en contra. Y el desenlace, generando problemas internos para hacer una implosión en un guión que no necesitaba un detonador para implosionar por sí sólo la grasa que le corre por las venas, otro más.

Paco, la punta del iceberg (2009), logró conmover al público con el que compartí la proyección (¡tuvieron que hacer un receso para que muchos se repongan! ¡habían mujeres que no paraban de llorar! ¿¿??), pero si lo hace es porque es manipulador, maniqueísta, copioso del mainstream, maleducado y maleducador. Un golpe bajo, sin dar más vueltas, con un reparto que patina de lo lindo por culpa de un guión hecho para menores de 8 años y una dirección que rebosa intenciones industriales e intentos de atraco a la taquilla (que según tengo entendido, no lo logró hasta la llegada al dvd).

Si quieren verlo, que sea a conciencia, y como ejemplo de manipulación. No habría que permitir que el público ATP al que el sistema cinematográfico acostumbró a bombardear con basura y lata norteamericana consuma también el producto de aquellos que por estos pagos sólo hacen "cine" con esos fines. A ese público hay que proteger con realizaciones con un mensaje, y no con dobles intenciones. Totalmente reprobable, aunque enganche como lo hace.

Lula, o filho do Brasil

2010-12-16T15:58:00.001-08:00

Título: Lula, o filho do Brasil

Dirección: Fábio Barreto y Marcelo Santiago

Guión: Fernando Bonassi, Denise Paraná y Daniel Tendler

Género: Drama

Duración: 130 minutos

Orígen: Brasil

Año: 2010

Reparto: Rui Ricardo Diaz, Glória Pires, Juliana Baroni, Cléo Pires, Marcos Cesana, etc.

El hijo pródigo

Lo más sensato que servidor ha visto en mucho tiempo en materia de biopics. No hay ni propaganda, ni oficialismo, ni idealismos. Es más, hasta hay ambigüedad, y eso está bien. Al comenzar la cinta tenemos el desfile de algunas marcas que la patrocinan; éste es el ejemplo de esa ambigüedad que hablamos, ya que la mayoría de esas marcas apoyó el golpe de estado brasileño contra el que luchó el protagonista en la vida real. En todo el metraje no hay exhaltaciones dice qué patrióticas, así como tampoco hay momentos hollywoodenses en los que los que dirigen propuestas de este tipo de géneros suelen caer reventándose las narices contra el suelo.

Allí está Lula, el ex-presidente de Brasil. Ese Brasil que lo ve con un 80% de imágen positiva. Ese Brasil que lo reeligió. Según Fábio Barreto y Marcelo Santiago, Lula es el hijo de Brasil. Un hombre que sorteó dificultades -como todos- pero que siempre se mantuvo fiel a sus pensamientos (comunistas, o no comunistas, industriales, o no industriales).
No obstante, la figura protagonista de la historia no es Lula en sí, sino su madre, interpretada cálidamente por Glória Pires. Ahí se justifica tamaño título para el film: la vida del ex mandatario brasilero no tendría el efecto que tuvo, sin la convicción de servir a la patria como siempre lo hizo con su madre, imagen de resitencia, fortaleza, trabajo y honra. Pires se roba la pantalla por encima del novato Rui Ricardo Diaz.

La película pasa bien, a pesar de su duración de 130 minutos (lo cual suena algo excesivo). El guión alude a algunos lugares comunes, pero eso no quita que la historia esté bien contada. Pasa sin mayores logros que el del lucimiento de los actores, y la escena del discurso en el estadio, por lejos la mejor.

Lula: o filho do Brasil es un biopic de esos que se encuentran en la televisión un sábado a la tarde, y te enganchan hasta el final. No sólo porque la historia del hombre que esperó tres candidaturas para llegar al sillón presidencial sea cautivante, sino porque los directores la hacen amena. Recomendable, pero sin pretensiones.

Seguimos con más...

2010-12-16T15:28:00.000-08:00

Después de un período en que lamentablemente debí estar inactivo, regreso con nuevos bríos. No crean que no ví películas; al contrario, ví bastantes (aunque me quedan pendientes algunas de las que están en boca de todos, pero ya llegará su momento). Por ahora, queda decir "Aquí estamos otra vez", o como dirían los presentadores de televisión después de la pausa comercial: "Seguimos con maasss deee.... El blog de Pablo Martínez!!". En fin, hay mucho sobre qué escribir y comentar, empezando por dos cintas de terror que colmaron la bendita taquilla, y dos thrillers que más vale que los vean porque sino se perdieron de mucho. Entre otras cosas...

Se viene, también, la temporada de premios. Ya se saben los nominados de los Globos de Oro, y más o menos la crítica estadounidense está monopoliz... perdón, está dando a entender quién es de su agrado y quién no.

Bueno, aquí comenzamos entonces, el camino a... lo que sea que venga de ahora en más. Espero cumplir con sus expectativas, y, si no las tienen, generarlas.

Saludos cordiales.

PM

Going the distance

2010-10-30T11:13:00.000-07:00

Título: Going the distance

Dirección: Nanette Burstein

Guión: Geoff LaTulippe

Género: Comedia, Romance

Duración: 102 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Drew Barrymore, Justin Long, Charlie Day, Jason Sudeikis, Christina Applegate, Ron Livingston, etc.

Ápices del amor contemporáneo

Más allá de lo trillado que puede resultar el concepto inicial del que parte Going the distance (2010), tenemos una fresca comedia romántica protagonizada de manera sobria por dos de los más versátiles actores de la comedia norteamericana: Drew Barrymore y Justin Long. Ellos llevan adelante sin ningún problema un guión con muchos vaivenes y algo de rebuscada voltereta para alargar el metraje, pero que termina destacándose por una rutilante acidez cuando se disfraza de crítica a las costumbres de las parejas posmodernas.

El típico contraste entre dos ciudades totalmente opuestas -amado por el norteamericano pochoclero, sobre todo si su pareja consume Britney Spears o Lady Gaga- es el marco ideal que encontraron los realizadores para contar una historia de amor a distancia que se involucra más con la confianza y el valor de las amistades que con ese guiño que hace hacia la vida de roles y sueños que se explotó mejor en otros títulos recientes (el ejemplo más cercano, Up in the air, la última obra maestra de Jason Reitman). Cuando juega a la moralina fácil, no le sale. Pero cuando coquetea con los distintos matices que van conformando la cotidianeidad estadounidense en una sociedad que no le da cabida a los treintañeros que vienen trastabillando con los trabajos o los logros personales, se llena de una riqueza que no todos sabrán ver, obnubilados por los gags en las líneas del guión.

Por lo visto, el humor de las producciones de Apatow influenció bastante a Nanette Burstein y su equipo, ya que se puede notar cierta gama de latiguillos o salidas rápidas a ciertos lugares comúnes gracias a ese estilo tan característico de bombardear la pantalla con palabras ácidas y muchas veces grotescas. Cuando la comedia cobra protagonismo, Going the distance se luce; cuando el romance y la duda existencial la ahogan, decae. Y en ese (des)equilibrio incesante se balancea constantemente la película hasta llegar a un final bastante agarrado de los pelos pero que sabe como cerrar el círculo por el chiste leitmotiv por excelencia de la cinta.

Esta es una película que no da para ir a ver al cine, o quizás sí, pero en una tarde de lluvia, si hay dinero para el taxi y una buena compañía gastronómica durante la proyección. Imposible verla si no es acompañado por alguien de otro sexo. Realmente, la recomiendo para alquilar, y sin muchas pretensiones.

The last exorcism

2010-10-22T09:54:00.000-07:00

Título: The last exorcism

Dirección: Daniel Stamm

Guión: Huck Botko y Andrew Gurland

Género: Horror, Thriller

Duración: 87 minutos

Orígen: Estados Unidos, Francia

Año: 2010

Reparto: Patrick Fabian, Ashley Bell, Iris Bahr, Louis Herthum, etc.

Si crees en demonios, crees en exorcistas...

La manera más justa de describir a esta cinta es como "acotada". Sí, se trata de un subgénero explotado, con recursos explotados (sobre todo en la última década), y construcciones narrativas explotadas y ya harto usadas que limitan bastante a la propuesta en sí. No obstante, el clima que genera The last exorcism (2010) puede llegar a ser su mejor escudo defensor ante los amantes del bombardeo de sobresaltos propios del terror que saldrán a desdeñarla por sus carencias y errores técnicos sin recalar en esa creíble parsimonia que posee en el desarrollo de la trama.

La forma de presentar el relato es contundente y sorpresiva. Los realizadores no fueron a la fácil asegurando la asimilación de la historia en los primeros minutos, sino que prefirieron una introducción pausada y bien llevada, que al llegar al foco de la cuestión hace a uno pensar "ah, así que para esto estamos acá", indiferentemente de lo que se pueda leer en alguna sinopsis o reseña del film. Esto es un ítem a favor, ya que, insisto, lo que mejor puede hacer referencia a The last exorcism es el concepto de lo acotado, siendo que en tan sólo 87 minutos de metraje se anima a meterse en surcos (no hago referencia a lo bucólico del guión) que en otros proyectos bien podrían haber sido un pretexto para extender la trama, y en este caso se utilizan para dar sentido y explicar los porqués de lo que sucede.

Ahora, nos metemos de lleno en el recurso: el famoso falso documental, recientemente explotado por Paranormal Activity (2007), vilmente plagiado por Paranormal Entity (2009) -una de las peores películas en la historia del cine de terror-, inaugurado por Cannibal Holocaust (1979) y popularizado por la épica The Blair Witch Project (1999), entre otros más originales como Cloverfield (2008) que no vienen al caso. Si bien The last exorcism hace uso de este modo de narrar como su mayor carta de presentación (vale más el motivo por el cual se decide filmar que lo que se filme), la película esquiva el recurso propiamente dicho para dar lugar a una vuelta de tuerca interesante en el guión que justifica casi a la perfección el porqué de esa forma de presentar la historia. Es como si en la pre-producción se hayan hecho todos los recaudos pertinentes para que la trama no tenga huecos ni fallas, aunque sí tiene algunas falencias técnicas que pasaremos a mencionar.

Eli Roth está en la producción, y ahí es donde podemos notar cierta tendencia hacia el gore al que la película hace referencia en la excelente secuencia en que la protagonista se roba la cámara (literalmente, y figurativamente le corresponde el momento en que se arquea con el cuerpo hasta quedar casi en 90 grados: un distintivo que le corresponderá por siempre) y mata al gato con la misma. Sin embargo, hay otros errores bastante notables que son hasta infantiles, por ende, imperdonables, como tener cortes en las conversaciones manteniendo la fluidez de lo que se diga, o que hayan dos tomas diferentes de la misma acción (supuestamente hay sólo un camarógrafo "documentando" el proceso de exorcismo).

Aún así, The last exorcism vendría a cumplir, acotadamente, lo que promete en un principio, e incluso ofrece más. Es que no estamos ante una más de exorcismos; no, para eso está la insuperable The exorcist (1973). Estamos ante una mirada crítica a las creencias religiosas, una interesante reconstrucción del imaginario social que se da en las zonas rurales de Norteamérica, un intento de falsearlo, una premisa reciclable que nada tiene que ver con la temática que se vende, y un desenlace digno de la admiración de aquellos que son amantes del estilo y el subgénero. Justo cuando pensábamos que debíamos creer en demonios para creernos los cuentos casi mitológicos de la parte 'oscura' de la Biblia, nos enteramos que también tenemos que creer en exorcistas. Para eso está esta peli, para analizar si creer en lo que hay que creer. Y, mientras tanto, te da algún que otro sustito...

Predators

2010-10-16T11:14:00.000-07:00

Título: Predators

Dirección: Nimród Antal

Guión: Alex Litvak, Michael Finch, Jim Thomas y John Thomas

Género: Acción, Aventura, Ciencia Ficción, Thriller

Duración: 107 minutos

Orígen: Estados Unidos

Año: 2010

Reparto: Adrien Brody, Topher Grace, Alice Braga, Walton Goggins, Oleg Taktarov, Danny Trejo, Louis Ozawa Changchien y Laurence Fishburne

Las berretadas del género

Caída libre, a toda velocidad. Introducción oportuna. Es Adrien Brody en la antesala a la que será una de sus peores actuaciones haciendo una versión libre -y escuálida- de Arnold Schwarzenegger, cayendo en picada, lidiando con un paracaídas, aunque con buenos efectos visuales y banda sonora como sustento, hasta llegar al clímax con el brusco descenso a una zona selvática. Da un golpe seco contra el césped, corte a negro: "Predators".

Así inicia este film de corte conservador que intenta continuar con la incesante idea de querer hacer la saga infinita de los bichos que se pueden esfumar en el aire, desaparecer, pero al volver seguir denostando ser actores de segunda disfrazados con un mal traje. El autor material de este crimen contra la paciencia es el húngaro Nimród Antal, quien a menos de un año de dirigir Armored (2009) lanza esto, que salió luego de recibir la propuesta de su buen camarada Robert Rodriguez -productor de esta obra- para dos cosas: una, tener aunque sea un mínimo papel en su esperada nueva cinta Machete, que en el protagónico cuenta con Danny Trejo (y que a su vez aquí también tiene un papel), y dos, dirigir la peli que nos incumbe en este artículo.

Predators, hablando mal y pronto, es aburrida. Los primeros diez minutos sirven como una aclimatación aceptable para lo que después debiera ser, cuando menos, una sangrienta cacería interplanetaria como tanto nos lo promete el póster. Pero no, la cosa continúa, y pasando el minuto 40 encontramos a nuestros desventurados y desorientados personajes en la misma situación en la que se encontraban al momento de "caer" a ese extraño sitio. Por cierto, todos son asesinos peligrosísimos que fueron llevados a un planeta que los Depredadores utilizan para divertirse cazándolos. Esta premisa nunca se explota en la hora y cuarenta de metraje tan soso y lineal.

Ni hablemos de la construcción de los personajes, súper obvia, estereotipada y burda, siendo -¡ooobviamenteee!- los dos estadounidenses los más rudos que más se la bancan al lado de los extranjeritos que se acaban de dar cuenta que fuera de su país el peligro es verdadero y la rudeza sólo se conoce, o bien siendo amigo de Stallone, o habiendo estado en la Armada del Tío Sam. Si a la idea absurda del peligro amalgamado en un grupo pluriétnico en territorio "extraterrestre" le sumamos el papel de Topher Grace como el médico desarmado que viene con sorpresita, cantamos cartón lleno. Vamos gente, la peli tendrá su intento de homenaje a las viejas usanzas del cine de este género, pero todo esto ya se vio, es prescindible.

La saga de los Depredadores antes se caracterizaba por asustar un poco y entretener, mientras intentaba definirse como un proyecto que se autolimita por sus propias convenciones y está a tiro con los avances tecnológicos. No obstante, en esta ocasión más que homenaje se podría decir que Predators es un pastiche o revoltijo de ideas sacadas de otros films que más o menos conducen a esta. Tenemos situación geográfica a la Avatar (2009), mezclada con una pizca de la sensación de abuso generalizado o intento de terror psicológico de Saw II (2005) o Saw V (2008), más un poco de gore de mal gusto a lo Wrong Turn (cualquiera de las tres) muy propio de las preferencias del señor Rodriguez, y así podemos seguir. Ah, y por supuesto, algo de los depredadores, sino no estaríamos hablando de esta película.

Lo que sí gusta, y mucho -no como la absurda e innecesaria aparición de Laurence "Morfeo" Fishburne o la terriblemente patética escena de la lucha del samurai en el descampado- es la secuencia final, con la frase que cierra la cinta. Lo mismo que allí se expresa se aplica al estilo, a la mala costumbre que adoptaron los realizadores de esta industria que se ha vuelto el "terror". Sólo cambien la palabra "planeta" por "género tan berreta". Los que la vieron sabrán a qué me refiero, y los que no la vieron aún, sigan así que no se pierden de nada, sino al contrario, se están ahorrando una buena hora-cuarenta de vida para usar haciendo otra cosa o viendo algo mejor.

El hombre de al lado

2010-10-11T20:12:00.000-07:00

Título: El hombre de al lado

Dirección: Mariano Cohn y Gastón Duprat

Guión: Andrés Duprat

Género: Drama

Duración: 110 minutos

Orígen: Argentina

Año: 2010

Reparto: Rafael Spregelburd, Daniel Aráoz, Eugenia Alonso, Inés Budassi, Lorenza Acuña, etc.

Los miedos de la burguesía

Esta película no debiera dejar indiferente a nadie. Desde lo artístico de la propuesta hasta el plano dramático de la cuestión, todo es político en El hombre de al lado, este ¿thriller? careta que intenta poner en contraste las dos caras del poder en la Argentina dentro de un microcosmos anodino como lo es la relación vecinal entre dos platenses de diferentes clases sociales.

El hueco que hace Victor para tener "unos rayitos de sol" pone histérico al prestigioso diseñador de arte, Leonardo, que vive en la única casa que Le Corbusier construyó en América y que es considerada una obra maestra de la arquitectura. Este conflicto desencadena una interesante trama que a simple vista se puede exponer como hasta irrisoria, porque no se puede evitar reír en la diferencia palpable que hacen Mariano Cohn y Gastón Duprat en el sólo hecho de la forma de hablar de los dos polos opuestos, pero que en una mirada mucho más minuciosa se traduce en una ácida mirada a los temores de la clase social más privilegiada de este país.

Leonardo llora en el semáforo, o se consuela encerrándose en su Citroën último modelo mientras lo pone en lavado automático. Leonardo intenta "limpiarse", porque su vecino invasor le abrió los ojos, esos ojos que ni con los ventanales que construyó Le Corbusier pueden ver la vereda de enfrente. Por su parte, Victor sólo quiere un rayito de sol que Leonardo no usa, y encima vende autos usados y hace una bizarra práctica de esculturas con armas de fuego mientras por las noches invita a muchachas a beber, eructar y tener sexo con él. Estos dos contrastes se dan en un excelente y justo metraje calculado milimétricamente gracias a un gran trabajo de guión hecho por Andrés Duprat, avalado también por un bellísimo trabajo fotográfico que se llevó un premio en la edición de Sundance de este año.

El aspecto técnico no sólo queda a merced de los ojos, sino del entendimiento. En El hombre de al lado, la historia transcurre en las edificaciones psicológicas representadas en las deconstrucciones arquitectónicas que protagonizan los dos personajes principales. Los estilos de vida se marcan con pincel, y lo que queda demás se pega con moco. Así de artística es esta película, que posee los mejores plano-secuencia del año, sobre todo en uno de los finales más intimidatorios y espeluznantes de la cartelera argentina que se recuerde, sin necesidad de entrar en el género al que le corresponden esos atributos. Con el shock ideológico se asusta más que con el mero sopetón, y eso es palpable en este film.

Esta película habla con lo que se ve, y escucha sólo los golpes de las construcciones. El hombre de al lado se edifica en nuestras narices, y ni así nos evita la mirada aguda y crítica al sistema aislado de ciertos sectores del país. La inocencia del gorila de clase media, y la rigidez y paquetería del businessman de clase alta. Todo resumido en una mini-obra teatral que muestra que el arte no es sectorial ni partidario, sino político, muy político.

El Rati Horror Show

2010-10-08T22:23:00.000-07:00

Título: El Rati Horror Show

Director: Enrique Piñeyro y Pablo Tesoriere

Guión: Enrique Piñeyro

Género: Documental

Duración: 90 minutos

Orígen: Argentina

Año: 2010

Reparto: Enrique Piñeyro, Germán Cantore, Agustín Negrussi, Andrés Bagg.

Construir el mundo con el cine

Enrique Piñeyro quizás sea, hoy por hoy, y a título exagerado, el mejor documentalista del mundo en cuanto a repercusión social. Con Wisky Romeo Zulu (2004) logró cambiar la ley de aeronáutica argentina tras el accidente del Vuelo LAPA 3142, y con Fuerza Aérea Sociedad Anónima (2006) también logró repercutir en el imaginario social con casi el mismo éxito que su predecesora y maestra ópera prima. Ahora, con El Rati Horror Show (2010) apunta a lo mismo, desmantelando una cuestión particular para terminar apuntando directamente al corazón de la "justicia" en la Argentina.

El documental cuenta mediante mecanismos basados en el último grito de la tecnología la historia de Fernando Ariel Carrera, condenado a treinta años de cárcel por la denominada "Masacre de Pompeya", un confuso accidente de tránsito que acabó con la vida de tres ciudadanos luego de una sangrienta persecución policial.

Se dice el último grito de la tecnología de manera irónica, aunque cabe remarcar la habilidad del director y actor para manipular de forma excelente las técnicas del stop motion -entre otras- en las recreaciones miniaturizadas (muy cómicas también, por cierto), o la animación en las dramatizaciones en esa tabla azul hacia donde se dirige junto a su compañero Germán Cantore en las secuencias que ayudan a ir recreando los hechos después de los asaltos de iluminación gracias a la brillante investigación periodística de Pablo Galfré.

Paulatinamente, Piñeyro construye y deconstruye el caso judicial que terminó acabando con la libertad de una persona inocente, víctima de los chanchullos de policías corruptos, que ante un error grave cometido tras perderle el rastro a ladrones en una persecución por el barrio de Pompeya decidieron "fabricar" al culpable mediante manipulación de las evidencias. Piñeyro (que hace de Sherlock Holmes y nos deja ser su J.H. Watson) pone en ridículo a la policía, o mejor dicho, deja a la vista lo ridículo del grupo policial que encabezó la operación, puntualmente de la controvertida Comisaría 34, que evidencian su ignorancia y falta de transparencia en las mismas declaraciones documentadas de las que se vale el realizador para poner en tela de juicio y debate la cuestión.

La información es tratada con sumo cuidado y sentido crítico y analítico, a tal punto que se llega a probar el sonido de los impactos de la bala sobre la carne en una secuencia particularmente espectacular detallada en X-Mo, con el director calzando el arma de fuego, para dejar de lado la naturalización de una balacera contra un ser humano (inocente o no). Y precisamente armas son las que utiliza Piñeyro (no sólo la mencionada) para valerse de su actividad tan creíble y contrastable, haciendo uso útil no sólo de la tecnología (mucha publicidad a Apple nomás, pero qué se le va a hacer) sino hasta de los paupérrimos noticieros argentinos, demostrando también el rol que juegan estos a la hora de construir la realidad y el ya mencionado imaginario social en el que tanto se inmiscuye Piñeyro con fines críticos y si se quiere hasta revolucionarios (el trabajo tiene un aire de grandeza a lo Operación Masacre, de Rodolfo Walsh).

"Si leo en el diario Clarín que Fernando Carrera es un asesino, entonces creo que Fernando Carrera es un asesino, no me importa lo que él tenga para decir," explica el propio Fernando Carrera -la víctima del hecho, el "perejil"- durante la entrevista dentro de la cárcel con el director del film. Esta frase bien puede resumir lo expuesto en el párrafo anterior.

Y volviendo a lo dicho al principio, la repercusión que logra Piñeyro con El Rati Horror Show (el término "rati" -"tira" al revés- en el lunfardo contemporáneo se le atribuye a "la cana", la policía ) llega al punto en el que el realizador logra concretar una entrevista con un procurador de la causa, con el fin de exponer su visión de los hechos desde el punto de vista de su investigación. Si todos lograramos eso con un film, una simple película (obviamente, nótese el grado de significación que le doy a ese "simple"), podríamos dar por seguro que iríamos a un mundo mejor. Documental, 'mockumental', lo que sea, pero se alude a la justicia nuevamente, y esta vez -si bien la causa sigue abierta y Carrera sigue preso- también se logra llegar a una instancia de reelaboración de los conceptos que inciden en la realidad. Si eso no es triunfar, no se me ocurre qué otra cosa puede ser...

Ese cine que propone y utiliza Piñeyro en El Rati Horror Show es, más que un arte, una herramienta de construcción social.

Get him to The Greek

2010-09-30T17:42:00.000-07:00

Título: Get him to The Greek
Director: Nicholas Stoller
Guión: Nicholas Stoller y Jason Segel
Género: Comedia
Duración: 109 minutos
Orígen: Estados Unidos
Año: 2010
Reparto: Jonah Hill, Russell Brand, Rose Byrne, Sean 'P. Diddy' Combs, etc.

Terapia, irreverencia y redención

Lo mejor que tiene esta película, protagonizada por quien para este servidor puede que sea el futuro de la comedia americana, es esa indisciplinada forma de contar las cosas, sin importar los estereotipos, lo banal de la propuesta, y sobre todo, olvidándose de ese modismo estructurado, adoptado por las nuevas actividades del género (ni siquiera llamémoslas películas), y mal llamada "corrección política". De esto último no hay absolutamente nada en Get him to The Greek (nefastamente traducido en otros países de habla hispana, que creen que puede aludir a su propia cultura cuando el concepto es puramente hollywoodense... ni Inglaterra puede sentir propia esta cinta).

El cómo se la tome puede que sea un ítem clave para ingerir este cóctel típico de Apatow y Asociados: sexo, drogas, irreverencia, estilo rockanrolla, y avasallamiento incesante de gags verbales muy groseros (y grotescos) que también se venden en formato visual.

Jonah Hill es el amo y señor de esta película. Si el gordito simpaticón (que ya no es más "gordito") logró el súmum de su carrera en la prematura obra maestra Superbad (2007), en este film expresa la madurez que ha alcanzado, aún cuando muchos dicen que copia las formas de su participación en la versión raíz de esta peli que hoy tratamos, Forgetting Sarah Marshall (2008), del mismo director.
A ver, de dónde puede sacar un buen comediante -cuya única arma a veces es su aspecto, y en otros casos más pulidos (que escasean en estos tiempos) sus modismos y estilos- algo de originalidad cuando el concepto o formato de la producción en la que participa se presenta casi como alusión paratextual explícita de un título anterior o ajeno. No jodamo', ¡Hill es un groso! Sus facetas como actor cómico y dramático están plasmadas en la justa duración de este film. Un prodigio que, o tiene un representante medio ciego, o prefiere quedarse en la trivialidad de los hijos de la Hollywood estéril de esta última década.

El guión de Get him to The Greek bien puede ser vapuleado por los pretensiosos como vacío, inconexo, y falto de encanto, pero la química entre sus dos protagonistas (Russell Brand, muy difícil de querer, y el ya mencionado Hill) es la base primaria para su aceptación. No importa cómo acabará todo. De hecho, eso es lo que nos da a entender el pésimo tercio final de metraje. Lo que importa es qué pasa en ese viaje licérgico del medio, que remite a films más valientes y geniales como por ejemplo Fear and Loathing in Las Vegas (1998) de Terry Gilliam.

Se destacan: las técnicas de montaje que utiliza Stoller para plasmar las vericuetas situaciones festivas por las que atraviesan los personajes; la inclusión en el reparto de Sean 'P. Diddy' Combs y Lars Ulrich, especialmente; las letras de los soundtracks interpretados por ese excéntrico Aldous Snow; y particularmente el homenaje a The shining (1980) de Stanley Kubrick durante una escapatoria de un hotel, no tanto por la frase en sí misma dicha por Brand ("¡estos pasillos están construidos a lo Kubrick!"), que explicita la idea de que el genio de las imágenes era un auténtico arquitecto, sino por ese ínfimo, casi inexistente travelling con la steady cam, muy propio de aquellas gloriosas secuencias con el triciclo.

Get him to The Greek podrá ser absurda, banal, escueta, y escandalosa, pero de que te reís, te reís... sino, cualquier cosa, toquen el felpudo de la pared, toquen el felpudo...

Valhalla Rising

2010-09-25T14:35:00.000-07:00

Título: Valhalla Rising
Director: Nicolas Winding Refn
Guión: Roy Jacobsen y Nicolas Winding Refn
Género: Acción, Aventura
Duración: 93 minutos
Orígen: Dinamarca, Reino Unido
Año: 2009
Reparto: Mads Mikkelsen, Maarten Stevenson, Gary Lewis, Jamie Sives, Ewan Stewart, Alexander Morton, Callum Mitchell, Douglas Russell, etc.

Los silencios de la conquista

No confundan, amigos, a este film con uno de esos épicos de guerra muy hechos a la vieja usanza, como suele verse en la cartelera hollywoodense. Si bien es de dudosa procedencia idiomática (habrá que comprobar ese inglés con el que se comunican los vikingos), esta película de Nicolas Winding Refn es un azote a la tranquilidad del espectador, un claro artístico en donde reposa una parsimoniosa brutalidad, iluminada por el buen gusto a la hora de elegir la banda sonora y el hasta ahora mejor trabajo fotográfico que se ha visto en el año.

Valhalla Rising (2009) es la historia del apodado One-Eye (muy bien en su papel Mads Mikkelsen), un guerrero con fuerza sobrehumana que escapa de la esclavitud rumbo a no-se-sabe-bien-dónde, pero que en su camino se cruzará con varias situaciones que irán a redefinir lo que es. Hasta aquí, el típico esquema de la conquista del ser en un film histórico, pero no. Esta trama, ambientada en el Siglo X, está llena de matices que nada tienen que ver con este tipo de historias que ejemplificamos desde el principio. Valhalla Rising es un grito silencioso, representado pulcramente en su protagonista violento y pacífico a la vez. One-Eye es la encarnación de esa humanidad que, perturbada por los vientos de cambio que soplaron en la época post-Cristo, debió verse envuelta en ríos de sangre en esa búsqueda de la "verdad".

Y, si bien hoy en día diez siglos se ven como muchísimo tiempo, el proceso de las Cruzadas se vio reflejado por los historiadores de una manera pasajera, como si de un trámite se tratara. Eso lo transmite perfectamente el director de la trilogía Pusher. Mientras en el film sucede lo que se ve en pantalla, sabemos -por esas cosas mágicas que sólo el buen cine nos sabe dar- que en otra parte al mismo tiempo hay guerras desatándose de una manera atroz, con la finalidad de tener el poder legítimo de la divinidad. Sin embargo, nuestra mente se mantiene inerte con esa lejanía a la que están condenados los personajes.
"Somos guerreros directos de Dios," dice el líder del clan de los vikingos paganos que encuentran One-Eye y el niño que lo acompaña en su periplo. La fatalidad es el trámite, y los "guerreros" los empleados de Dios, es lo que nos intenta decir Winding Refn con su silencio tan perturbador (soporífero, dirán otros intolerantes) en el transcurso de los seis episodios que dividen esta intrigante e hipnótica historia.

La calidad técnica de la propuesta está más allá de cualquier cosa que se haya intentado últimamente en el género. Sin exagerarlo a lo Peter Jackson, y sin caer en lo burdo de realizaciones recientes de HBO, Winding Refn logra concebir una cinta que bien podría resumir las ambiciones de muchos años por parte de aquellos que han querido encarar proyectos de estas características. Cómo es posible que en tan sólo una hora y veinte minutos la película sea capaz de pasear por paisajes (literales y figurativos) filosóficos, humanísticos y naturalistas, sin apartar la violencia como concepto base y el "adónde vamos" como leit motiv, ese es su mayor mérito.

Valhalla Rising es un film al que un Zack Snyder jamás podrá siquiera aspirar, y del cual un Stanley Kubrick estaría orgulloso. La arquitectura de la imagen, acompañada de los sonidos-ambiente lo son todo, mientras desfilan varios personajes que intentan perjudicar o apoyar la empresa del héroe dentro de un ambiente de caos absoluto, desorden existencial, contrastado por la imperiosa e inmutable Naturaleza (simbolismo más que obvio pero efectivo de Dios) mostrando su poder casi soberbio por sobre la pequeñez de esos hombres que buscan la conquista, en el lugar equivocado. De más está decir que se recomienda esta experiencia.

The killer inside me

2010-09-21T11:56:00.000-07:00

Título: The killer inside me
Director: Michael Winterbottom
Guión: John Curran y Jim Thompson (novela)
Género: Crimen, Drama, Thriller
Duración: 109 minutos
Orígen: Estados Unidos, Suecia, Reino Unido, Canadá
Año: 2010
Reparto: Casey Affleck, Kate Hudson, Jessica Alba, Ned Beatty, Elias Koteas, Tom Bower, Simon Baker y Bill Pullman.

Cuando la sinceridad brutal pone al cine en el límite

Atención, estimado lector: esta no es una recomendación propiamente dicha, sino más bien una sugerencia.

¿Será necesaria tanta brutalidad visual, tanto sexo, tanta violencia, para ilustrar nuevamente a Lou Ford? Queda a consideración del espectador, pero lo cierto es que Michael Winterbottom logró transformar aquella adaptación de Burt Kennedy sobre la vieja novela de Jim Thompson en un film noir de lo más gráfico que se haya visto en años. Están advertidos: esta cinta no es para cualquiera.

Empiezo con estas dos aclaraciones justamente para que después no se diga que ando recomendando cosas zarpadas por ahí. Porque ése es el mejor término -vulgar- para The killer inside me (2010): está "zarpada" en violencia. Ojo, eso no la hace una mala película, no confundan. Winterbottom sabe darle un toque propio y mucho más crudo al conocido ¿western? de los '70, justificando esa violencia puesta en discusión aquí dentro de determinados momentos o ambientes, sin llegar a caer del todo en el vacío simbólico.

El film goza de una ambientación asombrosa. Todo ocurre a mediados de la década del '50, en un pequeño pueblo texano, donde el Sheriff Lou Ford (Casey Affleck) es un hombre tranquilo y bien visto en el pueblo que en realidad oculta un pasado lleno de traumas que lo convirtieron en un psicópata. Esto último es un elemento agregado por los guionistas de esta película, lo cual hace más original a la propuesta. Y, si bien el guión por momentos deja bastante que desear por lo esquemático que es, el clima de tensión propio de un buen thriller se logra gustosamente, más allá de ese pésimo final que tiene.

Ahora, ¿por qué puede despertar tanta polémica este film? Porque la forma en la que está hecho (un despliegue de vestuario, utilería y maquillaje impresionantes para este tipo de producciones) lo hace demasiado creíble, siendo esto un recurso para desarrollar ciertas escenas que muchos agradecerían no haber visto jamás. Por esto entiéndase la secuencia absolutamente brutal y repulsiva que resulta la golpiza que le da el protagonista a una mujer (no diremos quién) hasta matarla, siendo esta escena la que posee el mayor grado de violencia y realismo visto en muchos años, quizás desde el plano secuencia de la violación en Irréversible (2002). No obstante, así como eso puede ser un elemento en contra para muchos, también puede serlo a favor para otros, ya que no faltarán los fans de filmografías de realizadores como Quentin Tarantino, los Cohen, Robert Rodriguez o Rob Zombie -por citar algunos con cierta tendencia a la violencia gráfica sin ningún mensaje- que estarán encantados con el realismo sádico con el que se plantea The killer inside me, que además adpota el aura de trama interesante recién después del momento más shockeante. ¿Exagero? Primer motivo para que vean la película y saquen sus propias conclusiones.

Pasando a un análisis un poco más pretensioso, nos encontramos con una cinta que intenta hacernos jugar a los detectives, aún cuando desde el título y el póster (y la misma antigüedad de la historia) nos hacen saber de entrada quien es "el asesino". Mediante esta premisa, la película -que este año fue nominada al Oso de Oro en Berlinale- resulta absoluta y ridículamente errática, ya que, basados en las famosas reglas del género detectivesco que pasaremos a mencionar a continuación, toda la trama está desenfocada y mal planteada, provocando como resultado un film fallido. Veamos:

Regla N° 1 de Tzvetan Todorov (basado en las reglas de S.S. Van Dine): Máximo, un detective (en la peli hay muchos, y muy torpes, por cierto), un culpable, y por lo menos una víctima.
Regla N° 2: El culpable debe matar por razones personales... vean la película y consideren este ítem. ¿Psicología berreta? ¿Psiquiatria para novatos? ¿Tándem fallido? Ustedes dirán, pero desde aquí atino a anticipar que en muchas situaciones se carece de motivos o, por lo menos, excusas. "Nadie se lo merece" dice el protagonista en un momento... ¿Entonces?
Regla N° 3: El amor queda excluido... no sé si llamarlo amor, pero hay muchísimo sexo y drama de polleras, así que, Winterbottom, fallaste otra vez.
Regla N° 4: El culpable debe ser uno de los principales. Sería absurdo develar/mencionar esta cuestión.
Regla N° 5: Los sucesos deben revelarse de manera racional, nada de fantasía. Otro fallo de la historia (novela y película).
Regla N° 6: No hay lugar para descripciones o análisis psicológicos. Quizás el peor error de los autores.
Regla N° 7: El autor es al lector, lo que el culpable al detective. Si analizo este ítem aquí, caería en un pantano de subjetividad indeseable, así que dejémoslo pasar.
Regla N° 8: Se deben evitar las soluciones triviales. ¡Bang! Otro error más (he aquí el patético final ya mencionado).

Poniendo contra la pared a The killer inside me no sólo se nos da la posibilidad de elegir si fusilarla por su esquematismo y maniqueísmo tan obvios o celebrar su excéntrica carta de presentación estética (¡qué buenos créditos de apertura!), sino que también nos permite reflexionar sobre los límites del cine actual para intentar decirnos algo a lo Benetton disfrazándose de ampulosa sinceridad. En estos casos, la violencia por violencia misma no resulta muy efectiva, más allá de fines meramente estéticos, caracterizándose a sí misma por este factor más que por lo que intenta contar o significar. Por eso, me quedo en el punto intermedio entre la recomendación y la no recomendación, para abrir paso a la sugerencia. Coman poco antes de verla, y armense de paciencia, porque se sentarán frente a una película que tiene un qué absolutamente anodino pero un cómo súper interesante. Está en ustedes...

The Expendables

2010-09-17T17:59:00.000-07:00

Título: The Expendables
Director: Sylvester Stallone
Guión: Dave Callaham y Sylvester Stallone
Género: Acción, Aventura, Thriller
Duración: 103 minutos
Orígen: Estados Unidos
Año: 2010
Reparto: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Randy Couture, Steve Austin, Terry Crews, Mickey Rourke, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, David Zayas y Giselle Itié.

¡Old School, Baby!

Sylvester Stallone vuelve a ponerse detrás de cámara después de sus dos estocadas finales a las sagas Rocky y Rambo, esta vez para hacer una gran fiesta de tiros, piñas, patadas, cuchillazos y mucha nostalgia.

The expendables (2010) se presenta divertida, entretenida y bien sencilla, aún cuando el guión es más simple que sencillo, obviamente. Pero tratándose de una propuesta en la que lo único importante es ver explosiones y la forma en que los buenos no tan buenos vencen a los malos malísimos, se permite. Es que la propuesta no era para menos. Stallone invitó a todos sus camaradas de la acción que prendió fuego el celuloide de los '70 hasta la actualidad para componer una película muy buena, sin importar ciertos matices.

Y esos matices (empecemos por lo malo así después sólo le lanzamos laureles a la peli) son nada más que algunas decisiones reprochables por parte de los realizadores en cuanto a la construcción del eje narrativo (who cares!?), como por ejemplo esa Isla-Nación mitad brasuca mitad boricua cuyos habitantes son interpretados por actores que ¡tan luego no acostumbran hablar español!. Tal es el caso de David Zayas, un puertoriqueño que de la cuna se fue al Bronx neoyorkino, y de la preciosa Giselle Itié, brasilera de origen mexicano; todos hablando un español casi ininteligible. El resto ya pasa por el nivel de aceptación y la cuota de credibilidad que el espectador le permita a la cinta, aunque vale aclarar que casi no hay secuencia que desprenda un "¡Pss, imposible! o un "¡¡Naa, pará un poco Stallone!!, lo cual es digno de remarcar y, por qué no, agradecer en estos casos.

Ahora sí, yendo a lo concreto: qué buena peli. Toda la acción bien al estilo ochentoso, ese equilibrio entre el cine de acción guerrero y el de los karatecas locos, las líneas de diálogo bien a la Rambo pero también cómicas. Un compendio del cine bueno de acción, de la mano de un reparto que además de gozar de una química increíble hace todo súper verosímil. ¡Súper, súper! Bueno, no tan súper, pero bastante súper... Y con esto nos referimos a las peleas y las escenas de combate armamentístico, que si bien son demasiado "boom" no dejan de tener una cuota alucinante de poderío visual y sonoro (tal vez la mejor edición de sonido del año, sin exagerar).

El dúo Statham-Stallone quizás se vuelva antológico, quizás no, pero sí funciona a toda marcha con esas conversaciones hilarantes que nos hacen creer que son amigos de toda la vida y que, principalmente, nos hacen olvidar que el pelado de The Transporter nació dos años después de que Stallone empezara su carrera actoral. Son dos generaciones uniéndose para el deleite de la afición de piromaníacos que disfrutó también con todas las películas protagonizadas por los que aquí el director se da el lujo de poner como mero relleno, aunque también con cada uno teniendo su minuto de gloria. Y por esto entiéndase a Terry Crews y la mejor arma que se recuerde en el cine de los últimos años; Randy Couture y sus planteos psicológicos (y el encargo especial en una de las peleítas, pero no vamos a hacer spoiler); Steve Austin haciendo del típico grandote invencible; Jet Li y su talento de siempre más un plus en su forma de ser que permite la sorpresa; y un Mickey Rourke que vuelve a demostrar que probablemente está en el mejor momento de su carrera y que definitivamente es el fénix de Hollywood.

Los hombres, ellos son los principales. Aquí no se cae en la típica de hoy en día, con tanta carne femenina en exposición con el único fin de mixarlo en el cóctel explosivo. Stallone y compañía (como también sería una buena forma de llamar al film) aprendieron de sus errores y no tropiezan con la misma piedra que todos los peso-pesado de la cartelera actual, sino al contrario: no hay estereotipos, o por lo menos no muy exagerados, y eso le da credibilidad a la trama.
The expandables expone más bien la figura del hombre de la mitología griega, ése que despliega su poder con la sensibilidad, a fuerza de sentimiento, sensatez y temor. Helo aquí al personaje de Rourke llorando por un recuerdo que lo movió de su pensamiento de siempre -como si fuera un llamado de atención al cine industrial actual-; el personaje de Jet Li soñando con tener familia; el de Couture planteando lo hablado con su psiquiatra con el resto del grupo; el de Statham conmovido por sus problemas de pareja; el de Dolph Lundgren -Gunnar (¿homenaje a Nick Gunar?)- en la dicotomía entre el "bien" y el "mal"; o el propio Stallone, cuyo personaje se ve movilizado por la actitud patriótica y honesta de Sandra (Giselle Itié) a la hora de decidir si ayudarla o no.

The expandables, cobrando energía con la cuota de calidad del cine de acción de la vieja escuela y algunos retoques producto de la experiencia de los que integran el proyecto, es un crítica al Hollywood actual, una burla a sí misma y un combo de adrenalina y testosterona que, además de entretener con creces, se plantea como franquicia (qué bien te salió, Stallone) y una mirada reflexiva a lo que se viene en el género. Ah, y lo mejor, por lejos, la escena del trío de los grandes: Stallone + Willis + Schwarzenegger; muy entretenida, como la película.

Greenberg

2010-09-12T16:58:00.000-07:00

Título: Greenberg
Director: Noah Baumbach
Guión: Noah Baumbach y Jennifer Jason Leigh
Género: Drama, Comedia
Duración: 107 minutos
Orígen: Estados Unidos
Año: 2010
Reparto: Ben Stiller, Greta Gerwig, Rhys Ifans, Jennifer Jason Leigh, Juno Temple, etc

Sus trastornos, ustedes, extraños

Hace unas semanas hablábamos de la capacidad de Ben Stiller para brillar incluso en cintas desdeñables, y de cómo no se lo aprecia por su talento incalculable y su capacidad de mutar para componer personajes realistas y verosímiles. Ahora se da un nuevo paradigma con Greenberg (2010), donde su participación puede discutirse en cuanto al foco de la cuestión a tratar ("protagonismo" no entra dentro del diccionario de este film dirigido por Noah Baumbach) pero siempre guarda un hálito de sensatez respecto al mensaje y la capacidad de llegar al público. Digámoslo de una vez por todas: Ben Stiller lo hizo otra vez.

No es sorpresa para los lectores asiduos a este blog la devoción que tengo por los trabajos de Stiller. Muchos critican su sencillez en el ámbito narrativo, o su humor físico que no logra simpatizar con todos, pero lo cierto es que en cada incursión suya en alguna cinta -ya sea dirigida por él o no- siempre hay algo para rescatar. Pero no vamos a hacer un análisis del talento de Stiller, porque sería injusto con la película. Es que precisamente lo que más se destaca de Greenberg -nominada al Oso de Oro en Berlín- es su capacidad de apoyarse en dos monstruosas actuaciones, como lo son la de Greta Gerwig y el ya citado actor, sin caer en un microcosmos de historia centralizada, en el que todo quede reducido a un ambiente cerrado lleno de alicientes poco conmovedores respecto a la idea del autor.

La premisa del film parte de la historia de un neoyorkino que se muda temporalmente a Los Angeles luego de una recaída psicológica a causa de muchos pesares arrastrados en la vida. Allí se encuentra con su antítesis, tanto en ideología como en edad, en una ciudad que no sólo no tiene nada que ver con él aún cuando lo vio crecer, sino que le mostrará que su sueño de atemporalidad es imposible. ¿Es Greenberg cosa juzgada? Puede que sí, pero nada más bello y sincero que retratar la rehabilitación de un atormentado estadounidense sin buscarle nudos jocosos o empalagosos. Hay que reconocerlo, cuando quiere, Hollywood sabe rescatarse. Y es ahí cuando cabe aplaudir la labor de Baumbach, que nutre de virtuosismo sus planos estáticos para permanecer alerta hasta algún brote de Stiller que, sostenido en un histrionismo dramático hasta ahora no muy pulido, deslumbra con creces y deleita por un tratado de su personaje que poco tiene que ver con lo visto a lo largo de su filmografía.

Sí, Stiller se transforma físicamente, pero se parece más al Stiller de lo cotidiano que al de Zoolander, Greg Focker, Tim Dingman o Tugg Speedman. Su honestidad rebosa en cada fotograma, y su característica principal bien puede ser de él como de cualquiera de sus personajes. La introversión, los brotes psicóticos, la mirada perdida, la sonrisa ausente, el pelo despeinado, todo lo compone a Roger Greenberg en el cuerpo de Stiller.

Párrafo aparte merece Greta Gerwig, en un despliegue de talento asombroso, conectándose a la perfección con Stiller, a pesar de la clara diferencia de edad. La película, por momentos, se rinde a sus pies, como lo insinúa Baumbach en el paneo inicial, mientras retrata a L.A. y luego ella se encarga del resto. Los viajes en auto, sus estúpidas anécdotas, su entrega a la experimentación sexual melancólica y la frescura de ese cunilingus tan ridículo y desencajado, son matices que valen la pena apreciar en los momentos en que esta gran actriz hace aparición. Las incursiones de Rhys Ifans y Juno Temple también son muy interesantes, además de la de Jennifer Jason Leigh, que esta vez también se encarga del guión.
Como pueden notar, ésta es una película actuada por gente entendida del ambiente cinematográfico -exceptuando a Temple-, que experimentó detrás de las cámaras por lo menos una vez. Esto se nota en el producto final, y lo vuelve pulcro.

Del apartado técnico queda agregar poco. Como decíamos, Baumbach hace un gran trabajo con la cámara, ayudado también por la fotografía de Harris Savides. La música, en esa lucha de imposición generacional, cumple un rol aparte, pero siempre dando mecha para la apreciación. Mientras Greenberg quiere esnifar coca con Duran Duran de fondo, la nueva generación reclama a gritos hacerlo con Korn; excelente.

Quizás lo que más valga la pena de esta película sea su cuota de sinceridad, ese plus de realismo imposible de no querer sobre todo cuando despliega un desenlace tan conmovedor y atroz al mismo tiempo (nótese como se banaliza el aborto, en un intento -quizás sí, quizás no- de retratar las raras idiosincracias que adoptó el angelino posmoderno). Greenberg es Stiller, y a la vez no. Greenberg es Gerwig deslumbrante, y a la vez no. Es un tire y afloje de generaciones que intentan hacerse notar, ¿o perderse en el olvido? Ni comedia ni drama. La duda existencial en tiempos de sexo, drogas y rock n' roll... que ya se terminaron. Y en el medio queda el trago amargo y el suspiro seco del corte a negro.